Nacho Ares (4:46)

Una persona vinculada a la historia del arte, como digo, que marca un antes y un después, una frase tan manida, pero que yo creo que en la figura de nuestro artista, de Michelangelo Merisi de Caravaggio, nacido en Milán en 1571 y fallecido en Porto Hércole el 18 de julio de 1610, pues es todo un referente que merecía un cronovisor. Jesús Callejo, crononauta, ¿Cuál es la fecha que nos propones esta semana para viajar en el tiempo?

Jesús Callejo (5:15)

La fecha es el 29 de mayo de 1606.

Podcast Announcer (5:32)

Adelante, pasen. Jesús Callejo les está esperando junto al cronovisor.

Nacho Ares (5:48)

Como no podía ser de otra forma. Jesús, estamos en una pelea, están saltando por aquí los taburetes, las mesas, y a quien vemos ahí con ese bigote y esa perilla que aparece en algunos retratos, intuyo que es Caravaggio.

Jesús Callejo (6:04)

Caravaggio. Y el que tiene al lado el que le está dando una paliza de muerte, Ranuccio Tomasoni, que es el líder de una banda de mafiosos, un pro seneta de mucho cuidado. Y fíjate, ya estamos en plena pelea, pero todo empieza de una forma un poco amistosa. Estaban jugando un partido de Palacorda, es el deporte precursor al tenis, pero ya se la tenían jurada estos dos. En este momento, por supuesto, estamos en Roma. No sabemos muy bien si es un asunto de honor, porque ambos participan con la misma prostituta. ¿Sabes que utilizó Caravaggio? Prostitutas para sus cuadros, además para sus cuadros de vírgenes, luego entraremos en detalle. No sabemos si es un asunto de honor, si es por una mujer, siempre hay alguna mujer en este tipo de reyertas, en esta Italia de principios del siglo XVII, o bien sencillamente por una dedo atrasada. El hecho es que se empiezan a liar a mamporrazos, dejan las raquetas a un lado y Caravaggio, que ya estaba curtido en estos lances, porque ya había hecho otros cuantos desaguisados anteriormente, pues con el cuchillo al final le hieren la pierna. Ranuccio Tomassoni, que también es un personaje de estos de armas tomar, cae al suelo y no se le ocurre otra cosa a Caravaggio, por eso parece que todo indica de que va por una cuestión de faldas, le intenta cercenar su pene, no se lo corta del todo, pero si le cercena una arteria, a causa de la cual hay un derrame de sangre y acaba muriendo a las pocas horas. Claro, esto ya no era una pelea cualquiera, ya no le deja unos cuantos puñetazos y unos cuantos hematomas, sino que realmente ha matado, es verdad que aún a un pendenciero, un delincuente. De hecho, Ranuncio Tomassoni ha pasado la posteridad porque es asesinado por Caravaggio, si no, pues hubiera quedado como un proxeneta, pero evidentemente se le persigue. Hay una orden de captura para Caravaggio. El Papa Pablo V, que ya había tenido un retrato del propio Caravaggio, se ve obligado a sentenciarlo a muerte y se ve obligado a sentenciarle a decapitación, de tal forma que si alguien le captura le puede llevar directamente a prisión. Allí la sentencia de muerte se ejecutaría de forma inmediata. Es curioso que a partir de esa época de 1606, los cuadros que él hace de capitación, y hace varios entre ellos, el de San Juan Bautista, siempre en el personaje decapitado, pinta su autorretrato, es decir, se queda obsesionado con la decapitación, tiene que huir de Roma, se tiene que ir a Nápoles, allí es acogido por la familia Colonna, Constanza Colonna, parece que tiene una especie de amor platónico hacia Caravaggio, ahí queda protegido, pero en Nápoles solo puede estar un tiempo determinado porque hay una orden de captura y al final se tiene que ir a Malta y empieza otra temporada bastante curiosa de Caravaggio, porque sabes que le nombran caballero de la Orden de Malta, caballero de los Hospitalarios y ni más ni menos que a él, claro, duró de caballero un año y poco, porque al final acabó con una pelea con otro de los caballeros de la Orden de Malta y le tienen que expulsar de la isla. Iba de reyerta en reyerta, de refriega en refriega, pero es verdad que en cada lugar iba dejando cuadros portentosos y de hecho en Malta, pues uno de los mejores cuadros dentro de. De toda la hemeroteca, de todas las obras un poco pictóricas que él hizo, pues desde luego está el San Juan Bautista decapitado, donde por cierto hace un autorretrato suyo, como no podía ser de otra manera. Pero bueno, el caso de Roma, en el caso donde hemos ido con este cronovisor, este mayo de 1606, es donde se produce tal vez el hecho más relevante de la agitada vida de Caravaggio y es, como tú bien decías al principio, lo que marca ese antes, ese después, porque aunque sigue pintando como los ángeles, los infortunios y por supuesto sus demonios propios y sus enemigos le van persiguiendo hasta el fin de sus días.

Nacho Ares (9:59)

Eso lo escuchábamos un poco en el corte con el que hemos comenzado el prólogo de nuestro programa de hoy dedicado a Caravaggio, con un fragmento de la película La sombra de Caravaggio del año 2022, en donde se dejaba bien claro que había que separar la obra de la biografía de la vida, porque si la biografía es muy tortuosa, muy violenta, muy pendenciera, no se puede decir nada, no se puede decir absolutamente nada, ni un pero, ni una coma a la magia de la obra de Caravaggio. Yo estuve hace unos meses en Florencia, en la Galería de los Uffizi, hay algunas de las de las obras más emblemáticas de Caravaggio. En Madrid, en el Museo del Prado, tenemos también un Ecce Homo que lo acaban de sacar a la luz, que ya está en exposición, lo estuve viendo también hace un par de semanas. Y esa imagen. Hablar de Caravaggio es hablar de claroscuros. Era un genio de la luz, pero también de las sombras. Y eso es lo que marcó la identidad y el lenguaje artístico que luego seguirían muchos de sus seguidores y alumnos, entre los que estaba a través de la hija de uno de ellos, de Gentileschi, la hija de éste, Artemisa Gentileschi, a quien tendremos que dedicar un día también un cronovisor, Una mujer extraordinaria que replica en esa primera mitad del siglo XVII muchos de los aspectos de la obra de Caravaggio.

Jesús Callejo (11:36)

Por cierto, también sale en la película La sombra de Caravaggio, una película que recomiendo porque la verdad que está muy bien ambientada y cuenta esos últimos años, desde el momento que mata Tomassoni hasta que es perseguido por su hermano y bueno, y al final acaba malamente, como sabemos que acaba. Pero claro, la característica que tiene Caravaggio, aparte de su vida, que no dejaba indiferente a nadie, es que él empieza pintando escenas, vamos a llamarlas profanas. Tiene además cuadros muy significativos de un poco de las ciencias ocultas o del mundo del misterio. Tiene un cuadro que se llama La buenaventura, donde una gitana está leyendo la mano a un petimetre y mientras le está leyendo la mano le está robando el anillo. Tiene también un cuadro que es La partida de cartas. Pero luego básicamente se dedica a la pintura religiosa. Y se dedica a la pintura religiosa porque a pesar de la vida que él tiene, poco religiosa, poco católica, poco espiritual, pero sí que tiene mecenas dentro de. De la curia eclesiástica, por ejemplo, el cardenal Francesco María del Monte, que es el que la coge en su palacio, el Palacio Madama, y donde Caravaggio empieza a pintar cuadros religiosos de un alto valor. Pero claro, ¿Por qué empieza a tener tanta polémica? Ya no tanto por lo que haga en su vida privada, sino porque para sus cuadros, para sus santos, para sus vírgenes, utiliza modelos de la calle, modelos que le idealizan. A veces ni siquiera los idealiza, los pinta tal cual son, por Dios, con deformaciones físicas, ancianos, mugrientos, feos, sucios. Pinta también a prostitutas, de hecho él tuvo mucha relación con tres prostitutas que aparecen en muchos de sus cuadros, con Anna Bianchi, con Filizi Melandroni, que era una cortesana, que por cierto, su proxeneta era el ranuzio Tommasoni o con Maddalena Antonietti, estas son prostitutas que luego aparecen en sus cuadros. Pero claro, que aparezcan en cuadros, como ocurre por ejemplo con la Madonna de los Palafreneros, donde se le encargó un cuadro, también se llama La Virgen con el Niño y Santana, Entonces en este cuadro si lo viéramos, y además recomiendo un poco a todos nuestros oyentes que visualicen el cuadro de la Madonna de los Palafreneros, porque en principio estaba previsto que se expusiera y se colocara en la iglesia de Santa Anna de los Palafrenieri, pero ¿Qué ocurre? Que duró sólo un mes, porque aparece un niño, el Niño Jesús, desnudo, pero ya de una cierta edad, entonces ya no se veía con buenos ojos que apareciera sus partes pudendas al aire, con una edad, en fin, ya bastante adulta, la Virgen con un escote, en fin, bastante provocador. Entonces decían, bueno, pero esto es la Virgen, esto es el Niño, ¿Qué es este cuadro? Y al final lo quitaron de allí, de la iglesia, y el Cardenal Borghese se lo llevó para su galería, porque es lo que hacían los cardenales cuando este tipo de cuadros eran polémicos y no los querían exponer en la catedral o la iglesia, se los quedaba en los cardenales, en sus propias galerías, porque en el fondo eran auténticas obras de arte a precio de saldo.

Nacho Ares (14:26)

Si te parece Jesús, vamos a escuchar a un buen amigo, Antonio Sánchez Barriga, él es restaurador y fue el que llevó a cabo la restauración precisamente de un cuadro, San Juan en el desierto, que hace pocos años, hace apenas un par de años, bueno, dos o tres ya, se ha identificado precisamente como una obra de Caravaggio, que siempre había estado un poco la nebulosa en la duda, y bueno, ahí tú lo decías, una de las características de la obra de Caravaggio es que no solía firmar sus cuadros, lo que dificulta la interpretación, pero bueno, hay una serie de detalles estéticos que pueden ayudar un poco en ese sentido a interpretarlo y a relacionarlo, y es un poco lo que nos cuenta Antonio Sánchez Barriga. Vamos a escucharlo.

Nacho Ares (15:16)

Hasta ahora ha habido tantas dudas, siempre se ha puesto Cavarozzi, Bartolomeo Cavarozzi, y entre paréntesis una interrogación. Esto viene a raíz de la donación que se hizo en 1785 por Antonio Zolio Sa de Santamaría. Era un regalo que quería hacer a la catedral y como sabes, para hacer un regalo de este tipo tiene que aprobarse a través del Cabildo. En ese momento son treinta y tantas personas que miran el cuadro y lo aceptan. ¿Que aceptan? Dado que el cuadro tiene una alta calidad, lo colocan en el frontispicio de la capilla de Santa Lucía. Y este cuadro, cuando lo colocan en un mármol, en un marco de mármol, se encuentran que es más pequeño que el barco. Entonces le añaden una parte baja y lo oscurecen y lo restauran. Pero esa idea que tenía en el siglo XVIII de oscurecer los fondos y el restaurador llega un momento que lo repinta un poco y está además bastante craquelado. Pero incluso así, dicen que el cuadro es un cuadro bellísimo, importantísimo. Y yo creo que ahí está por medio el que hace los famosos viajes de España, que es Antonio Ponce. Antonio Ponce es un gran entendido en la materia, que ha vivido 11 años en Italia, en Nápoles. Entonces sabe quién es Caravaggio, no es tonto y sabe perfectamente diferenciar entre un pintor y otro. ¿Por qué deciden que es Cavaroci? Por las plantas que aparecen en los laterales. Estas plantas se parecen a los bodegones que pinta Cavarozzi en España. ¿Qué ha resultado con la analítica? Que los fondos, la tela, el sistema es italiano y está hecho en Italia. Toda la manufactura es italiana. No puede ser que los trajo enrollados y los trajo España. Bueno, puede ser, yo tampoco lo he discutido. Pero es que pasa con este cuadro que está pintada a la prima, significa de un tirón, no ha tardado más de ocho días en pintar esto. Eso no lo hace Cavarocci. Va retenidamente, se entretiene los pliegues. No, pero es que en España pinta diferente que pinta en Italia, porque quiere contentar a los españoles. Yo pienso que es Caravaggio. Buscamos cómo está construido, las estructuras de la pintura y paralelamente son iguales que la del Caravaggio, con el bermellón, el blanco de plomo y muy pocos colores. Él utiliza, quitando el blanco y negro, que es muy normal, el blanco, la aviaca, el que llamamos nosotros del albayalde, oyaca, el negro carbón, que es el que utiliza, el bermellón, que es el que utiliza con la laca roja para acabar los bordes, el amarillo, la tierra amarilla y utiliza solamente cinco colores y con cinco colores hace este claro. ¿No es maravilloso? Entonces, cuando se limpia y se elimina aparece ya la sonrisa alargada de todo el repinte y todo eliminado, así veían que si era Cabarro, y eso es como es ahora, y que aparece al limpiar una flor en el pelo que está destruida En el siglo XVIII, la misma flor, la rosa que Caraballo pinta en El muchacho que muerde el lagarto, que es exactamente el mismo.

Nacho Ares (19:15)

Jesús. Este cuadro de San Juan en el desierto, que se puede ver en Toledo, en la Catedral, es un referente más de esa obra anónima de Caravaggio, con temas normalmente muy violentos también, que implicaba también todo aquello relacionado con esa oscuridad, esas sombras que él también le gustaba proyectar en sus cuadros. Hacía esas decapitaciones, esos cuadros que hoy podríamos entender un poco violentos para mayores, al menos de 15 o 16 años.

Jesús Callejo (19:53)

Sí, porque además no reparaba en detalles, o sea que si había que pintar ahí las venas, las arterias, la sangre saliendo a borbotones, no tenía ningún tipo de problema. De hecho, el único cuadro que firma es una decapitación, que es la decapitación de San Juan Bautista, que se puede ver ahora en el oratorio de San Juan en La Valeta, en la capital de Malta y Chávez, que allí estuvo esos 15 meses más o menos, hasta que le expulsa una vez más por tener una reyerta con uno de los caballeros de Malta, pero ahí sí es el cuadro de mayores dimensiones y el único cuadro que está firmado, que además está firmado precisamente donde salen los borbotones de la sangre de la decapitación. Que por cierto, su autorretrato, como no podía ser menos entonces, bueno, él sí que tuvo verdadera obsesión por reflejar dentro de las escenas bíblicas, reflejar este tipo de retratos y donde él se sentía identificado o bien por esta sentencia que él tenía dictada, o sencillamente porque le iba al morbo. Ten en cuenta que si miramos un poco su biografía, prácticamente no hay año en el que no haya tenido algún altercado con rotura de mobiliario, por ejemplo, y de ventanas en las diferentes tabernas que él frecuentaba, insultos, ataques con espadas, intentó atacar a un notario, daba bastonazos al primero que pillaba, hacía sonetos injuriosos aquel que iba contra él, ese tipo de cosas eran habituales. Y es verdad que muchos de sus cuadros tienen que ver con decapitaciones. Ahí tienes, Salomé sostiene la cabeza de Juan el Bautista, pues es suyo el autorretrato, la decapitación de San Juan Bautista, David con la cabeza de Goliat, Judith decapitando a los Fernes. Tenía una cierta obsesión por este tipo de temáticas y efectivamente sus biógrafos y uno de los que más le conocía, que era un amigo suyo que se llamaba Fronis Claes, él decía que era una persona muy trabajadora, pero a la vez orgullosa, terca y siempre dispuesta a participar en una discusión o a enfrascarse en una pelea. Era muy difícil llevarse bien con él. Tenía un carácter, tenía un pronto que era mejor que estuviera bien con él. Por eso fue siempre perseguido y por eso incluso cuando se tiene que ir a Nápoles, una vez que mata a Ranuccio, pues en Nápoles él siempre dormía con la espada y casi con un ojo abierto, porque temía que fuera atacado por el hermano de Ranuccio y por otra serie de delincuentes a los que él había incordiado.

Nacho Ares (22:14)

La figura de Caravaggio es uno de esos grandes artistas de finales del XVI, comienzos del XVII, a caballo entre el Renacimiento y sobre todo, creando ese nuevo género prácticamente con su paleta de colores tan oscuros y tan brillantes al mismo tiempo, el barroco. A él hemos querido dedicar este cronovisor junto con Jesús Callejo. Como siempre, Jesús, una vez más, muchísimas gracias por habernos ayudado a hacer un poquito más de historia.

Jesús Callejo (22:42)

De nada, muchísimas gracias a ti. Y nos vamos con la paleta. Atrapar.

Andrés Damián (22:59)

Estoy al pie de la escalera. Las patas de la nave están enterradas en la superficie, como a 3 o 4 centímetros. Aunque la superficie parece ser muy, muy granulada, cuando te acercas es como si fuera polvo. Voy a pisar ahora fuera de la nave. Es un pequeño paso para el hombre, pero un gran paso para la humanidad.

Narrator/Intro Voice (23:23)

Ser historia con Nacho Ares. Todo lo que quisiste saber de la historia la madrugada del sábado al domingo en la Cadena SER.

Podcast Announcer (23:35)

En realidad, nuestro cuadro ha estado colgado de las paredes del Prado desde 1819. Desde que se abrió el museo ha tenido muchas atribuciones. Una de ellas era la de copia flamenca, porque ese fondo negro y el barniz amarillento que lo cubría sí que le daban un aspecto nórdico a la obra. La historia más reciente de esta copia de Mona Lisa empieza en 2010, cuando Van Saint Den viene al museo del Prado durante los preparativos para la exposición que estaba montando sobre la Santa Anna del Museo del Louvre. Uno de los problemas que él tenía para la exposición era que la Gioconda original no se puede mover de su sala y la nuestra era de las pocas copias que se conservan sobre tabla del cuadro.

Nacho Ares (24:40)

Pasamos de página en nuestro particular libro de Historia, aquí en SER Historia, en la Cadena SER, y lo hacemos escuchando un vídeo, un fragmento de un vídeo del Museo del Prado. Ana González es investigadora del Gabinete de Pintura de este museo y hablaba de una de las obras maestras que desde hace po pocos años entendemos que está ahí, es ese retrato, esa copia de la Gioconda, con algunos trazos, dice, realizados incluso podría ser por el propio Leonardo. ¿Por qué ponemos este comienzo en este nuevo bloque, como digo, de Ser Historia? Porque ya hablamos en su momento, hace tiempo, sobre esa otra realidad que podemos extraer, esa lectura más allá de lo artístico, una lectura anatómica de los representados, de los retratados en los cuadros, y por eso hemos vuelto a llamar a nuestro buen amigo Florencio Monge. Florencio, bienvenido de nuevo a Ser Historia.

Florencio Monge (25:40)

Hola, muchas gracias, Nacho. Hola a todos y a todos tus oyentes.

Nacho Ares (25:45)

Florencio Monge es cirujano oral y maxilofacial, es profesor titular de la Facultad de Medicina de la Universidad de Badajoz, director del Centro Clínico Ciconmonge y presidente de la Sociedad Española de Cirugía Oral y Maxilofacial Cabeza y Cuello. Así que algo sabe de lo que vamos a hablar. Además, sobre todo nos visita porque ha reeditado junto con Círculo Rojo, la editorial Círculo Rojo, ese fantástico libro el rostro enfermo, 50 pinturas para comprender las enfermedades de la cara y el cuello. Florencio, tengo que decir que me tuviste que convencer y al final me convenciste de que realmente las pinturas y esas representaciones que en ocasiones pensamos que pueden ser idealizadas, dan en realidad mucha información sobre las enfermedades y la anatomía de las personas que son representadas.

Florencio Monge (26:36)

Por supuesto, depende también del tipo de estilo pictórico, pero cuando se trata de realismo desde el nacimiento, hay magníficos retratos que son prácticamente fotografías y en virtud de lo que nosotros veamos en algunos de estos retratos, en algunos de estos rostros, podemos inferir obviamente lesiones que tienen en la cara o a veces hay lesiones en la cara que indican algún otro tipo de enfermedades generales si a esto se le une que además puede estudiar con la gran universalidad, ahora que hay del conocimiento, se puede estudiar la biografía del pintor y la biografía del pintado, pues oye, es un elemento más que puede servir como una verdadera historia clínica, utilizar una pintura para llegar a un diagnóstico más o menos correcto acerca del personaje.

Nacho Ares (27:24)

¿Y cómo te iniciaste en esta búsqueda, en tu trabajo? Imagino que algún día viendo cuadros, viste paralelos con esas personas que están delante de ti en el quirófano y empezaste a unir cabos.

Florencio Monge (27:40)

Bueno, empecé hace mucho tiempo, porque mi jefe en el Hospital de la Princesa, mi querido profesor Alonso del Hoyo, a veces cuando se suspendían los quirófanos, nos mandaba como castigo ir al Museo del Prado.

Nacho Ares (27:51)

¿Como castigo?

Florencio Monge (27:52)

Al contrario, él creía como castigo. Pero la verdad es que poquito a poco nos fuimos aficionando y a mí me dijo en una ocasión, mira, a mí siempre me ha gustado la historia, a ti que te gusta tanto la historia, creo que Goya, aparte de sus pinturas negras, aparte de su expresionismo, tiene que tener algo más. Y me puse a estudiar junto con mi hermano Isidoro, de alguna manera todos los cuadros de Goya y de ahí sacamos 25 cuadros con unas deformidades faciales muy bien, muy bien hechas. Y a partir de ahí, bueno, pues ya empecé, digamos, después de la publicación de ese libro de Goyes, Las deformidades faciales, junto con mi hermano Isidoro, pues ya hicimos también este otro libro que de alguna manera universalizar más. Hay cantidad de pinturas colgadas en muchos museos del mundo donde haciendo una fijación y un estudio de la cara se consigue una gran cantidad de objetivos diagnósticos.

Nacho Ares (28:47)

Quizás cuando se habla de ese tipo de enfermedades o de deformidades o de elementos llamativos, no hace falta que estén en muchas ocasiones ligados a algo tan tremendo. Pensamos en los retratos de los Austrias, con esa quijada, ese rostro tan característico de los reyes de los siglos XVI y XVII en la monarquía de España. Ellos quizás son el prototipo, a partir del cual también imagino que tú trabajaste hondamente en ello.

Florencio Monge (29:17)

Son un chollo. Los Austrias son un chollo por varios motivos. Primero, fundamental, la endogamia. Eran, ya sabes que desde Felipe I hasta Carlos II, con el que acabó esa saga, hubo 11 matrimonios. Esos 11 matrimonios, el 89% eran entre íntimos familiares de tal manera que el índice de consanguinidad con el que empezó Felipe empezó con un índice de consanguinidad de 2 y acabó Carlos II con 24. ¿Qué quiere decir eso? Pues que las deformidades faciales que ya venían del núcleo en el centro de Europa, con la nariz de los borgoñas, el labio de los borgoñas y todo esto hizo que se fueran incrementando a medida que se iban sucediendo las familias, sobre todo en España, desde Carlos V, prácticamente no ha habido quien se salvara. Básicamente un exceso de mandíbula, lo que se conoce como un pronatismo y un déficit de maxilar superior. El labio superior está un poquito hundido. Si a eso se le añaden determinado tipo de deformidades de la nariz, una nariz con mucha giba, pues la verdad es que la cara de los Austria. La cara de los Austria es nuestro tesoro en cuanto a investigación de deformidades faciales.

Nacho Ares (30:33)

Fíjate, estaba observando ahora a David Nieto, nuestro compañero, el técnico, y Ana Caballero. Los dos estaban haciendo gestos con las manos en la cara para exagerar esos rasgos de los Austrias. En esta reedición el rostro enfermo, 50 pinturas para comprender las enfermedades de De la cara y el cuello, publicado recientemente por Círculo Rojo. El otro día me comentabas que haces especial hincapié en algunos aspectos que queríamos tomar aquí porque tiene también incluso su trasfondo mágico. Yo recuerdo, tenía un compañero en el colegio, yo nací en el año 70, que tenía el labio leporino. Hoy creo que se corrige al poco de nacer por una operación y no es tan llamativo como hace años, pero claro, en la historia del arte eso ha marcado también huella en muchas obras.

Florencio Monge (31:25)

Es muy interesante Nacho, porque fíjate que nosotros los labios leporino tenemos hasta 12 labios leporino, 12 cuadros de labios leporino. Hoy en día se opera el labio leporino prácticamente al primer mes, con lo cual los resultados de son fabulosos. ¿Qué pasa? Que nos vale estos labios leporinos que vemos en distintos cuadros del siglo XV, siglo XVI para ver cómo evolucionaban los labios leporinos sin ningún tipo de intervención. Es muy curioso, por ejemplo, los retratos de perfil que tiene de algún labio leporino Leonardo da Vinci y que además ahora está de moda porque está en el castillo de Windsor. Son muchos grabados de labios leporinos que tiene Leonardo da Vinci con dos particularidades. Una, que no están operados, y otra muy interesante, porque la mayoría llevan el hábito de monje, porque en ese tiempo, siglo XV y siglo XVI, se entendía que no eran dignos de casarse ni tener familia, por eso hacían su carrera profesional, digamos, dentro del sacerdocio. Y de hecho vas por alguna catedral alemana y ves obispos y arzobispos que son labios leporino. Aparte de eso, pues hay otro tipo de leyenda también con el labio leporino. Entonces se creía, al mismo tiempo que ocurría esto con el sacerdocio, se creía que la bioporino se producía porque la madre andaba cerca de una liebre, por ejemplo, en un mercado, o pasaba por encima de un cadáver, de una liebre, y transmitía ese tipo de características al feto que llevaba dentro. Por eso en esa época, quince, dieciséis, diecisiete, se prohibió tajantemente el que los mercados estuvieran en el centro de la ciudad y lo sacaron precisamente fuera. Hay muchas leyendas en torno.

Nacho Ares (33:10)

En la actualidad, Florencio, a las madres embarazadas se les dice que no coman jamón, que no coman no sé qué, y en aquella época decían que no, no te acerques a una liebre.

Florencio Monge (33:19)

Claro, al mismo tiempo tengo que decir que a las madres embarazadas ya se le hace una ecografía y se ve perfectamente si el paciente es portado de un labio leporino, y ya se empieza incluso a programar cirugías y todo esto es muy interesante.

Nacho Ares (33:32)

Todas esas leyendas imagino que también marcan un poco el devenir de vuestra investigación. Florencio Monge, como autor de este libro, El rostro enfermo. Hay que pensar que en aquella época, estamos hablando grosso modo de los siglos XVI, XVII, en la Edad Media o en el Renacimiento, cualquier persona que tuviera una desigualdad en la anatomía del rostro ya era tomada como alguien de distinto alguien diabólico, alguien extraño.

Florencio Monge (34:02)

Correcto. De hecho, incluso volviendo otra vez al tema del labio leporino, en la cultura sajona, el labio leporino se identifica como el demonio. En algunos grabados, incluso en algunas iglesias, se ve personajes con labio leporino, pero que son prácticamente una representación del diablo o del demonio en cualquier tipo de caso. En esa época, cualquier tipo de deformidad facial, sobre todo las asimetrías, cualquier tipo de deformidad facial se entendía que eran personajes que quizá no eran normales, que tenían algún tipo de correlación con la delincuencia, que tenían algún tipo de correlación con algún tipo de rizo satgánico. Y en ese sentido hay muchísimas leyendas en torno a muchas deformidades, sobre todo las asimetrías y los labios leporinos. Hay muchísimas leyendas en torno a cuál era la que se entendía entonces como la etiología, los factores causales o la posible relación con determinado tipo de leyenda o algún tipo de proceso mágico.

Nacho Ares (35:06)

Estamos hablando de una sociedad hace prácticamente 500 años, en donde la violencia estaba a la orden del día. Yo no sé incluso si habréis encontrado cuadros de personas que que muestran en ese rostro señales de violencia, de haber participado en una batalla. Si tiene una nariz y a otra edad, otra nariz. En aquella época no había un Florencio Monge que te corrigiera la cara. Imagino que eso también lo habéis encontrado.

Florencio Monge (35:35)

Bueno, de esa época tenemos mucha información, sobre todo de exantelaciones orbitarias, es decir, gente que por un proceso traumático, o sea, una pelea o por una infección, había que quitarle el ojo. Tenemos cinco cuadros exactamente donde además sabemos que ha nacido con ojo y es producto de algún tipo de pelea o algún tipo de infección, porque se ve claramente en el cuadro. Entonces, en esa época, sobre todo la exaltación orbitaria, la noftalmia, la falta de ojo. Sin embargo, donde ya empieza a verse muchísimas más deformidades faciales postraumática es en la época esta de Otto Dix y todos estos autores prácticamente posteriores a la Primera Guerra Mundial. Aquí sí que tenemos varios cuadros donde se ve básicamente determinado tipo de personajes con determinado tipo de rasgos, pero sobre todo que portaban máscaras. En ese tiempo todavía no existían los modernos colgajos para reconstruir que hay ahora, y por eso utilizaban como método de vestimenta facial máscaras que se iban cambiando, por ejemplo, de cuadro a cuadro. Eso es básicamente lo que hemos encontrado.

Nacho Ares (36:46)

Sí hemos estado hablando, FLORENCIO MONGE CIRUJANO ORAL y maxilofacial de irregularidades en la anatomía de la cara, bien por una deformidad de nacimiento, pero también en el rostro se proyecta un poco el resultado de una enfermedad, que eso también os permite hacer un diagnóstico de algo que quizás al resto de los mortales nos pasa desapercibido, pero que ante los ojos de un especialista como tú, eres capaz de decir esta persona puede haber tenido esta enfermedad u otra.

Florencio Monge (37:24)

Es muy interesante. Evidentemente, todos sabemos que la cara es el reflejo de algún tipo de. Por supuesto, del alma, pero también de muchas enfermedades generales. Hay muchas enfermedades metabólicas, endocrinas, que tienen una cara muy, muy particular. Si a todo esto añades el estudio del tintado y del pintor, pues tienes mucho más cuadros. Yo, por ejemplo, ahora me viene así a bote pronto, Adel Blockbauer, Adel Blockbauer, la mujer dorada, que de alguna manera es un cuadro maravilloso donde se ve una señora, donde básicamente se ven unas chapetas malares y donde además de verse unas chapetas malares, se ven unos dedos muy largos y muy deformes. Bueno, pues este tipo de deformidad que aparece en la cara o señal que aparece en la cara junto con la morfología de los dedos, es muy, muy propio de una enfermedad reumática, incluso de una afectación cardíaca por una enfermedad reumática. Si a esto se añade que el retratado es Adel Blockbauer y que lo pintó Gustav Klin, te vas a mirar la biografía de Adel Brockbauer y sabemos que murió de forma. Con mucha fiebre, estuvo mucho tiempo ingresado en muchos sanatorios, fundamentalmente por fiebre y por falta de fuerza. Y eso va muy, muy en particular, muy en relación con lo que es una enfermedad que nosotros denominamos enfermedad tejido conectivo o una enfermedad reumática con una repercusión cardíaca. Hay muchísimos cuadros que viendo y analizando su cara se ve su relación con enfermedades renales, enfermedades metabólicas, enfermedades cardíacas, enfermedades.

Nacho Ares (39:14)

Osteoarticulares, etc. Y en algunos casos, estaba pensando ahora en la idealización de algunos en rostros, esa información se puede perder o incluso a pesar de esa idealización y ese ocultamiento de algunas deformidades, dices, aquí hay algo que no me encaja.

Florencio Monge (39:34)

Hombre, cuando tú miras los distintos retratos que ha tenido, Por ejemplo, Carlos II el Hechizado, que ha sido el Austria más deforme que hemos tenido, pues te das cuenta que obviamente, el que paga es el que manda. Y evidentemente, como todos estos cuadros se pagaban y se pagaban a su precio, o bien para regalar o bien para ponerlo en determinado sitio, no es normal que en algunos cuadros aparezca un rostro de Carlos II un poquito deformé y en otros un poquito más deforme. Siempre la mujer de Carlos II al revés, no era tan fea, Eugenia no era tan fea. Sin embargo, evidentemente no tenía que distanciarse mucho en fealdad de su marido y por eso la tuvieron que pintar muy fea, para que no hubiera mucha diferencia. Es curioso, obviamente, como cada pintor tiene una percepción y también en algún caso tiende a una idealización y en otros casos incluso a un empeoramiento para que no haya mucha diferencia con su pareja.

Nacho Ares (40:37)

Y ya para ir acabando, Florencio Monge Cirujano oral y maxilofacial, Autor de este libro el rostro enfermo. 50 pinturas para comprender las enfermedades de la cara y el cuello. El trabajo no solamente se limita en esa formación como cirujano, en la observación de los cuadros, sino, lo decías al principio, también en un trabajo de documentación histórica que a veces leyendo entre líneas te permite conocer algún detalle que puede pasar desapercibido de otra forma y que enriquece un poco también vuestro diagnóstico, vuestra visión de la persona que aparece retratada.

Florencio Monge (41:15)

Evidentemente todo el trabajo en el libro consiste primero en localizar los cuadros, que eso debido a mi profesión, gracias a Dios y a mi gusto, que me encanta el arte, igual que a toda mi familia, pues hemos visitado cantidad de museos. Pero luego lo más apasionante es leer toda la documentación que hay en torno a los cuadros para sacar una serie de detalles que te ayudan mucho en las posibles causas de determinado tipo de enfermedades. Yo creo que no hay cosas más interesantes hoy en día debido a la gran difusión del conocimiento que hay en podernos tirar mucho tiempo leyendo mucha información acerca tanto del pintor, del pintado y de la relación que había entre el pintor y el retratado.

Nacho Ares (42:05)

Eso es quizás lo más interesante y lo más apasionante. Ese trabajo.

Florencio Monge (42:10)

De campo, el trabajo de documentación es lo más maravilloso que hay, yo creo que en toda la literatura y en el tema de las pasiones nuestras de la pintura, en relación con nuestro oficio, el mío como cirujano master social y el de mi hermano Isidoro como historiador, evidentemente la documentación es una maravilla.

Nacho Ares (42:28)

Tú y yo hemos compartido un viaje a Egipto, también ahí en el mundo egipcio es más difícil ver esos detalles.

Florencio Monge (42:37)

Es más difícil la falta de identificación. Verdaderamente cuando empieza en el siglo XIV, en el Renacimiento, no hay ningún tipo de arte, me estoy acordando ahora mismo de Mesopotamia, Egipto, donde haya una identificación clara con personajes. Son personajes relativamente anónimos. Fueron como siempre los romanos y los griegos en el siglo II antes de Cristo, los que empezaron ya con determinado tipo de esculturas, sobre todo donde claramente había una identificación con un personaje determinado, quizá aumentaban los atributos para que fueran o pudieran ser emulados. Hay jóvenes con una musculatura tremenda que lo hace más bello, o mujeres que son posiblemente mucho más bellas de lo que eran para la posibilidad de ser emulados, pero ya hay una caracterización bien clara y ahí por ejemplo los guerreros de xian son 8.000 guerreros también del siglo 2 antes de cristo donde se diferencia perfectamente a nosotros los asiáticos nos parecen todos iguales, pero cuando se acerca a los 8.000 guerreros son claramente diferentes uno de otro y son escultura que se refieren a todos esos personajes que han sido de alguna manera llevados a la escultura y que son completamente distintos uno de otros, muy identificados con los personajes originales.

Nacho Ares (43:58)

El rostro enfermo. 50 pinturas para comprender las enfermedades de la cara y el cuello publicado por Círculo Rojo, es la reedición de este trabajo de nuestro invitado Florencio Monge Gil, cirujano oral y y máxilo facial que nos ha atendido amablemente aquí en Ser Historia. Florencio, como siempre, muchísimas gracias una vez más por habernos ayudado a hacer un poquito más de historia.

Florencio Monge (44:21)

Pues nada, muchas gracias a ti por tu interés y sobre todo un saludo para todos tus oyentes.

Narrator/Intro Voice (44:26)

En Saint Gervais, Blois, a 25 de mayo de 1856 Empiezo hoy con estas líneas mis memorias, las memorias de un mago y un humilde aspirante. Si el lector me lo permite voy a conducirle por algunas escenas de mi vida, servirle de Cicerón y para evitarle la fatiga, haré de modo, en mi calidad de ex brujo, que su viaje y visita se ejecuten sin cambiar de sitio. Ser Historia con Nacho Ares Todo lo que quisiste saber de la historia la madrugada del sábado al domingo en la cadena SEA.

Nacho Ares (45:03)

Siempre que hablamos de arte y de artistas, y más cuando nos vamos atrás en el tiempo, es muy difícil encontrar mujeres, mujeres artistas que hayan desempeñado un papel importante en esta faceta de las artes plásticas. No voy a decir porque no las hubiera, sino porque por desgracia, el ámbito de la sociedad en el que siempre han desarrollado sus trabajos estaba completamente lleno y repleto de figuras masculinas que han sido los protagonistas, en ocasiones menos valerosos, de este tipo de actos. En esta ocasión queremos acercarnos a un personaje muy desconocido, pero no por ello muy brillante desde el punto de vista artístico. Una de las figuras más emblemáticas del Luisa Roldán, conocida como La Roldana. Andrés Damián, bienvenido a ser Historia.

Andrés Damián (45:57)

Hola, un saludo.

Nacho Ares (45:58)

Andrés Damián es profesor de historia, es cofrade, investigador de todos los entresijos que rodean a las cofradías en Andalucía y muy buen conocedor de la figura de La Roldana. Andrés, para situarla cronológicamente y espacialmente, ¿Quién era Luisa Roldán?

Andrés Damián (46:17)

Luisa Roldán ha sido la más insigne escultora, mujer artista, podemos decir, de todos los tiempos en España. Una mujer que ya en época gozó de un gran prestigio. No obstante, cuando se descubre que ella es la autora del s Homo de la Catedral de Cádiz, ella misma deja un pergamino en la cabeza de esta imagen donde se declara como la insigne y gran artífice de esta gran obra. Ella gozó de mucho prestigio, aunque las penalidades de la época le hicieron pasar mucho y la figura de la Rol se ha acrecentado con el paso del tiempo. Una gran representante del barroco en España y sin duda la mejor mujer artista dedicada a las artes plásticas de todos los tiempos ha habido en España.

Nacho Ares (47:04)

No era muy común encontrar, como decía yo ahora en la entradilla esta entrevista, una mujer artista.

Andrés Damián (47:12)

No, que va, nunca lo ha sido y menos en su tiempo. Tenemos que tener en cuenta que nace en la segunda mitad del siglo.

Florencio Monge (47:21)

Y.

Andrés Damián (47:22)

Desarrolla su periplo hasta su muerte a inicios del siglo XVIII. Y si, hoy día todavía la mujer todavía tiene rémora, desgraciadamente para su completa expresión en todos los ámbitos, muchos de ellos ya salvados, afortunadamente. Volvamos tres siglos y medio atrás, nos encontraremos un panorama muy, muy, muy difícil para la mujer, pero sin duda alguna, ella al crecer artística y personalmente en el taller de su padre, el gran Pedro Rordán, pues le valió granjearse el respeto de sus contemporáneos.

Nacho Ares (48:02)

Como decíamos antes, su vida la ha desarrollado en la segunda mitad del siglo XVII, falleció en el año 1704 y es un momento de la historia del arte en donde la mayor parte de trabajos tienen una meta muy clara que es el arte religioso. Ella desde luego destacó sobremanera en este ámbito.

Andrés Damián (48:23)

Sí, sí, sin duda alguna. Las consecuencias del Concilio de Trento, que fomentaba la piedad popular a través de las obras artísticas, fundamentalmente religiosas. Incide en el contexto artístico histórico en que se desarrolla la obra de La Roldana, ahí donde se centra fundamentalmente su producción. Producción que ha traspasado incluso las fronteras de España, porque hay dos excelentes obras de ella en la Hispanic Society de Nueva York, en el Museo Getty de Los Ángeles, y además de obras repartidas por toda la geografía española, muchas de ellas se atribuyen a La Roldana sin ninguna base, porque defieren cualquier pueblo, ciudad de España, que esto es de La Roldana. Es un marchamo de calidad, una etiqueta.

Nacho Ares (49:08)

Desde luego de calidad, como bien decía. También conocemos que su vida no fue todo lo fácil o sencilla que pudiera haberse esperado. Algunas de esas turbulencias, generadas en muchos casos por malos tratos por su esposo, han tenido también un reflejo muy marcado en su arte.

Andrés Damián (49:30)

Así es, Nacho, efectivamente, este es un tema todavía en investigación, pero se cree que ella desarrolla e imbuye a sus imágenes de ese dolor. Tiene una gran calidad en cuanto a la expresividad de sus obras, pero también, naturalmente, la impronta del barroco. Son unas imágenes impregnadas del misticismo del sur que ofrece el sur, severa sobre todo, y aunque ella tuvo tres etapas claramente diferenciadas, la de aprendizaje en Sevilla, muy importante, de dos, tres años en Cádiz y la final en Madrid, sin duda alguna, a lo largo de todas estas etapas, dejó lo que tú has comentado, hay dos obras claves, podemos decir que es San Miguel pisando al diablo, donde se dice que ella representa en el rostro del arcángel San Miguel su propia cara, es un rostro muy dulce, aunque cargado de dolor a la vez, y el diablo es el rostro, el parecer de su marido, Luis Antonio Navarro de los Arcos, con el que ella se casa en contra de la opinión de su padre, porque ella tenía mucho mérito, ella tenía una gran calidad y éste era un policromador, un segundón en el taller del padre. Ella no tenía el permiso del padre, pero por algo realmente una carambola de la época, consigue un permiso para poder casarse con Navarro de los Arcos. Parece que no le dio buena vida, más lo contrario, y él se benefició de estar al lado de una gran mujer y de una gran artista como La Roldana. Y sin duda alguna, una de las obras donde se puede ver el dolor y el dramatismo, pero a su vez decimos, con esa calidad y calidez que el sur le proporciona a su obra, podemos decir que es la Virgen de la Soledad de Puerto Real. Es una obra que se encuentra en su documentación en 1688, es una obra del antiguo convento de la Victoria y todo ese dolor y dramatismo, es la única dolorosa documentada de Las Roldanas, a pesar de las múltiples atribuciones de la Esperanza Macarena de la Virgen de Regla de Sevilla, la única documentada es la Virgen de la Soledad, Soledad de Puerto Real. Y ahí podemos ver ese dolor de una vida de mujer como La Roldana, que deja patente en esta gran obra religiosa.

Nacho Ares (51:47)

Imagino que el hallazgo de la Soledad de la Virgen de la Soledad permitió también poner las bases del propio estilo de La Roldana, un poco con lo que decía ahora, que se le han atribuido muchas obras, en definitiva, con poca base científica.

Andrés Damián (52:05)

Efectivamente, efectivamente, el mito que hay en torno a la Roldana en toda España y más en concreto en Andalucía, y si lo circunscribimos aún más en Andalucía, la Baja Sevilla, Cádiz, es porque incluso en vida se le atribuía obras que no era de ella, debido a su gran calidad. Y efectivamente, descubrirse que la Virgen de la Soledad de Puerto Real, obra de la Rodana, sirve para que otras grandes obras que antes atribuían a Martínez Montañés, otro grande de la escultura barroca, pues ahora se digan claramente que tienen inspiración de ella, como la Virgen de la Estrella, esa imagen trianera tan afamada que le llaman La Valiente en Sevilla, porque fue una de las pocas, casi la única imagen que procesionó en tiempos convulsos de la República en Sevilla. Pues la Virgen de la Estrella, tras su región, por el Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico, parece confirmarse que es obra de la Rordana y se descartan otras obras, como ya he dicho, como la Esperanza Macarena.

Nacho Ares (53:05)

Andrés Damián, profesor de Historia, cofrade, investigador del mundo de las cofradías y un perfecto conocedor de la figura de La Roldana, muchísimas gracias por habernos redescubierto en estos últimos minutos a una de las artistas, una de las mujeres de la escultura del barroco más importantes.

Andrés Damián (53:22)

Un auténtico placer. Un saludo.

Nacho Ares (53:26)

Llegamos al final de este nuevo programa de Ser Historia. Como siempre, muchísimas gracias por estar ahí. Fermín Agustí ha estado en la producción del programa ayudándole Ana Caballero, que también ha llevado las redes sociales y delante del micrófono, vuestro humilde servidor Nacho Ares. Os dejamos, les dejamos con más entretenimiento, cultura, música, teatro, cine. Un montón de cosas aquí, en Esta Madrugada de la Cadena SER. Hasta la semana que viene.

Podcast Announcer (53:56)

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