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Prohibido contar ovejas
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"Prohibido contar ovejas" te acompaña en la noche con música, cine y cultura. Con el mejor equipo de la radio, te mantenemos despierto. Participa a través de WhatsApp y redes sociales. Nosotros contamos las historias… pero tú, no cuentes ovejas. ¡No te duermas todavía!
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Prohibido Contar Ovejas: Esto es un drama y no el de Zendaya
May 2801:25:30Tap to summarizeLa emisión nocturna en esRadio analiza la tragedia teatral con Miriam Díaz-Aroca junto al tributo al talento imperecedero sobre Jeff Buckley. En una nueva entrega de Prohibido contar ovejas, el programa nocturno de esRadio conducido por Felipe Couselo, la audiencia vuelve a sumergirse en una amalgama de cultura, música de calidad y análisis crítico sin concesiones al pensamiento políticamente correcto. Fiel al estilo dinámico y libre que caracteriza a Libertad Digital y su grupo de comunicación, el espacio reúne a colaboradores habituales como Dani Palacios, Isaac Kene, Alma Espinosa y Juanma González para desgranar la actualidad del arte, el teatro y las pantallas, todo ello con la impecable asistencia técnica de Miriam García a los mandos de la emisión. La andadura comienza con la sección musical de Dani Palacios, quien trae al frente la inminente novedad discográfica de la legendaria banda de thrash metal Anthrax, que prepara el lanzamiento de su álbum Cursum Perficio, un título en latín que parece evocar un cierre de etapa definitivo. Asimismo, Palacios introduce al público en los sonidos oscuros y bailables de la agrupación de Las Vegas Social Order y su tema Ketamine Eyes, una propuesta de puro dark wave de herencia ochentera. Para rematar, el colaborador viaja a Australia de la mano del dúo Scratching y su sencillo Malvern Star, una delicada pieza de pop e indie folk cuya denominación homenajea a una icónica marca de bicicletas de dicho país. El turno de Isaac Kene aporta una dosis de feliz nostalgia e hibridación cultural al rescatar la sintonía mítica de Movie Record, antesala indiscutible del cine de infancia para varias generaciones. Kene conecta este recuerdo con la frescura rumbera de Uña y Carne, un proyecto liderado por el director de la cinta de culto Criando ratas. La sección se torna decididamente exótica al adentrarse en la escena centroasiática con la banda kazaja Moldanazar y, posteriormente, al reivindicar la audaz fusión de techno y tradición siria de Acid Arab con su magnético Jasmine al-Sham, un claro ejemplo de cómo la música electrónica puede enriquecerse de otras raíces sin caer en el burdo cosmopolitismo de escaparate. En el apartado de las artes escénicas, Alma Espinosa defiende con entusiasmo el montaje teatral La casa del mar, actualmente en cartel en el Teatro Infanta Isabel de Madrid. La obra, un intenso drama dirigido por Tonet Ferrer, supone la consagración definitiva de la actriz Miriam Díaz-Aroca en un registro trágico y doloroso alejado de los estereotipos infantiles y de comedia que marcaron sus inicios televisivos. Espinosa destaca la valentía de la puesta en escena a la hora de abordar temas tabú como la ludopatía y el duelo, mostrando las miserias y esperanzas de dos mujeres heridas por el destino en una solitaria cabaña frente al acantilado. El análisis cinematográfico y televisivo corre a cargo de Juanma González, quien despliega su habitual agudeza para comentar proyectos de gran calado. González destaca en primer lugar The Drama, una de las grandes apuestas de la productora A24 dirigida por Kristoffer Borgli y apadrinada por Ari Aster, que promete ser una ácida e incómoda comedia negra protagonizada por Zendaya y Robert Pattinson. También se detiene en Der Fall Collini (El caso Collini), un sobrio e implacable drama judicial alemán que bucea en la herencia de los crímenes nacionalsocialistas sin los clichés propagandísticos del progresismo actual. Por último, analiza el prometedor avance de The Boroughs, la nueva serie de ciencia ficción de Netflix apadrinada por los hermanos Duffer que, con un reparto estelar encabezado por Alfred Molina y Geena Davis, adopta un entrañable tono a lo Cocoon. El broche de oro del programa lo pone el propio Felipe Couselo con un sentido homenaje a Jeff Buckley, coincidiendo con el doloroso aniversario de su prematura muerte en aguas del río Wolf. Couselo reivindica Grace, el único álbum de estudio que el artista llegó a culminar en vida, como una de las obras cumbre de la historia de la música contemporánea. Con la mítica e imperecedera Lover, You Should've Come Over sonando de fondo, el espacio concluye recordando que el verdadero talento sobrevive a las modas pasajeras y a las tragedias del destino.
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Notas (musicales) a pie de página: Remezclas y versiones alternativas
May 2800:29:02Tap to summarizeDe Rosalía a La Oreja de Van Gogh: el nuevo pódcast analiza audaces adaptaciones sonoras que cambiaron el destino de temas icónicos. El presente episodio del pódcast musical se sumerge en el apasionante universo de las remezclas y versiones alternativas, reuniendo una selección de temas que se distancian notablemente de sus composiciones originales. Con el icónico tema Blue Monday de New Order (en su remezcla de 1995 por Hardfloor) sonando de fondo, el locutor introduce una sesión especialmente diseñada para los amantes de la música electrónica, el electropop y el synth-pop, contando con las aportaciones y comentarios de sus colaboradores habituales. La primera propuesta de la lista es la reinterpretación que el productor Kiko realizó en 2004 del éxito Rock Your Body de Justin Timberlake. El presentador desvela una curiosa anécdota histórica: este tema fue compuesto originalmente por el aclamado dúo The Neptunes, formado por Pharrell Williams y Chad Hugo, con el rey del pop, Michael Jackson, en mente. Tras el rechazo de este último, la canción acabó en manos de Timberlake, convirtiéndose en un hito de su carrera en solitario. La versión de Kiko, editada bajo el sello de culto Turbo Recordings de Tiga, aporta un marcado carácter de italo-disco y electro-house muy apreciado en las pistas de baile. A continuación, el programa analiza la sorprendente versión que la banda Queen of Japan hizo en el año 2000 del clásico de Kiss, I Was Made for Loving You. Caracterizados por sus extravagantes adaptaciones de himnos del rock, los de Múnich transforman la pomposidad de la pieza original en una propuesta de synth-pop minimalista. El locutor recuerda que el tema original de Kiss ya coqueteaba descaradamente con la música disco de finales de los setenta, un aspecto que esta versión explota desde una perspectiva electrónica mucho más fría y pausada. El viaje musical continúa en territorio nacional con Alaska y Dinarama y su emblemático álbum Deseo Carnal de 1984. En esta ocasión, se presenta la remezcla del tema Carne, huesos y tú a cargo de la banda madrileña Cycle. Fieles a su identidad sonora, Cycle inyecta guitarras afiladas, sintetizadores analógicos y un toque de rock electrónico industrial que refresca la canción original, dotándola de una atmósfera bailable pero oscura que entusiasma al equipo del programa. Uno de los momentos cumbres del programa llega con la remezcla de Slow de Kylie Minogue, firmada en 2005 por Michael Mayer y Reinhard Voigt. Este hipnótico y sugerente tema surgió casi de manera accidental en el estudio mientras trabajaban en otra producción. La combinación de una línea de bajo minimalista con la voz sugerente de la diva del pop da como resultado un clásico del techno pop contemporáneo. La música en español vuelve a tomar el protagonismo con Amatria y su versión de La Copa de Europa, el solemne cierre del aclamado disco Una semana en el motor de un autobús de Los Planetas. Publicada en 2015, esta adaptación logra el milagro de transformar la densidad melancólica y el ruidismo original en una pieza de indie pop luminoso y bailable, demostrando cómo una remezcla puede cambiar por completo la carga de una letra tan existencialista. El programa también rescata del recuerdo la magistral aportación de Playgroup (Trevor Jackson) a la discografía de Depeche Mode con su remezcla de Behind the Wheel. Concebida originalmente para la prestigiosa serie de sesiones DJ-Kicks de la discográfica K7, la remezcla desnuda el tema original de elementos innecesarios para potenciar un groove oscuro y altamente bailable, muy característico del sello Output Records que Jackson dirigía. En el plano de las sorpresas absolutas, destaca la versión de La negra flor de Radio Futura, realizada en 2011 por el proyecto barcelonés DeLaFe y Las Flores Azules para un homenaje organizado por el mítico periodista Julio Ruiz en su programa Disco Grande. La remezcla se adentra en terrenos de un hip-hop industrial denso y pesado, una dirección totalmente inesperada para el estilo habitualmente vitalista de DeLaFe. Hacia el final de la sesión, el locutor pincha la gélida y marcial remezcla que el productor francés Gesaffelstein hizo de A Palé de Rosalía en 2020, sustituyendo el aire trap original por un opresivo techno industrial oscuro. Acto seguido, suena la versión de Tiga del clásico de INXS, Need You Tonight, y se cierra el programa con una auténtica rareza humorística: la remezcla que el propio Tiga realizó en 2004 para el tema Bonus Track de La Oreja de Van Gogh. El locutor bromea afirmando que esta bizarra reinterpretación electrónica de la banda donostiarra bien pudo haber sido el detonante para que Amaia Montero abandonase la formación.
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Las cosas de Palacios: Las notas fantasmas
May 2800:24:28Tap to summarizeDel funk de James Brown al metal de Pantera, descubrimos cómo este recurso de percusión en la guitarra sostiene el ritmo de la música moderna. En este episodio se realiza un repaso exhaustivo sobre las notas fantasmas, también conocidas en el argot musical como dead notes o notas muertas. Los presentadores introducen la temática a raíz de una mención en el programa de radio Autoreverse, iniciando una animada conversación técnica y melómana sobre este recurso, que resulta ser una de las columnas vertebrales de la rítmica en la guitarra moderna a lo largo de diversos géneros musicales. La definición técnica de la nota fantasma se describe como el acto de rasguear las cuerdas de la guitarra con la púa o los dedos mientras la mano izquierda se posa sobre el mástil sin llegar a pisar los trastes. Esto impide que la cuerda vibre libremente y produzca una nota afinada, generando en su lugar un sonido puramente percusivo. Los locutores ponen como ejemplo cotidiano y fácilmente reconocible el célebre inicio de Smells Like Teen Spirit de la banda Nirvana, donde el característico rasgueo previo al riff principal constituye el ejemplo perfecto de esta técnica. El recorrido musical avanza hacia el funk y el soul, terrenos donde este recurso brilla con luz propia. Se destaca la figura de James Brown y su clásico Sex Machine, donde el guitarrista Jimmy Nolen asienta las bases del llamado scratching guitar. Asimismo, se analiza el trabajo de Nile Rodgers con la banda Chic en el éxito Good Times, utilizando la técnica del chucking para rellenar huecos rítmicos, lo que demuestra cómo la precisión rítmica puede dotar de una personalidad arrolladora a una composición sencilla. Posteriormente, el programa aborda exponentes más contemporáneos y virtuosos como Cory Wong, guitarrista de la banda Vulfpeck, de quien elogian su capacidad para combinar las notas fantasmas con el palm mute, una técnica que apaga el sonido con el dorso de la mano derecha justo después de pulsar la cuerda. En el ámbito del soul, rescatan Take Me to the River de Al Green, señalando que el guitarrista Teenie Hodges introduce estas notas muertas para otorgar al tema un patrón rítmico muy característico, priorizando la percusión sobre la melodía tradicional. La conversación se traslada después a estilos con mayor distorsión, donde las notas fantasmas adquieren un matiz diferente pero igualmente efectivo. Se menciona a leyendas de la guitarra como Stevie Ray Vaughan en Pride and Joy y a Jimi Hendrix en Voodoo Child, este último valiéndose además del pedal de efectos wah-wah. Los locutores coinciden en que la maestría de estos músicos radica en su habilidad para intercalar solos de alta complejidad con rasgueos apagados de manera casi simultánea y natural, destacando también a John Frusciante de los Red Hot Chili Peppers en el tema Can't Stop. En el terreno acústico, se pone como ejemplo el tema More Than Words de la banda Extreme, donde los golpes sobre las cuerdas imitan el golpe de una caja de batería. Por contraposición, en el metal extremo se analiza a Dimebag Darrell de Pantera en el demoledor 5 Minutes Alone, o a Joey Z de Life of Agony en el tema Weeds de su álbum Soul Searching Sun, donde las notas muertas se mezclan con la distorsión y los acoples de guitarra para crear texturas densas y agresivas. Para finalizar la sección, los tertulianos bromean de forma distendida sobre la posibilidad de que exista un superhéroe llamado "El Notas Fantasma", lo que desvía la conversación hacia referencias cinematográficas de finales de los noventa y principios de los dos mil, como la película de culto The Phantom protagonizada por Billy Zane y Catherine Zeta-Jones, o la parodia Scary Movie 2 con Tori Spelling. El bloque concluye con la promesa de realizar una futura sección dedicada a las notas fantasmas en la batería, entre risas y comentarios sobre la dinámica interna de su propio programa.
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El Resplandor: Horrores olvidados
May 2800:27:49Tap to summarizeUn repaso por las cintas de culto de los ochenta que marcaron la época dorada de los videoclubs y los efectos especiales analógicos. En este apasionante repaso por el cine de terror de los años ochenta, los colaboradores rememoran aquellas noches de desvelo que daban pie a descubrir joyas ocultas del videoclub. El punto de partida de la conversación es la película de culto Intruso en la noche (conocida originalmente como Intruder, de 1989), dirigida por Scott Spiegel y estrechamente vinculada al universo de Sam Raimi y su productora. Se trata de un slasher modélico ambientado en un supermercado durante el turno nocturno, donde los empleados son brutalmente asesinados. Los tertulianos destacan la truculencia de sus muertes, especialmente aquella en la que se utiliza una sierra de cinta para partir una cabeza por la mitad, lo que evidencia el carácter artesanal y desacomplejado de los efectos especiales de la época. El viaje nostálgico continúa con La quema (The Burning, 1981), una de las producciones más emblemáticas del subgénero de asesinos en campamentos de verano, escrita originalmente por los hermanos Weinstein. Se resalta la enorme influencia que tuvo el maestro de los efectos especiales Tom Savini, quien acababa de regresar de la guerra de Vietnam con una visión muy realista y cruda de la violencia física, algo que plasmó directamente en la gran pantalla. La cinta destaca por el uso de unas tijeras de podar como arma principal, creando escenas memorables de gore explícito y sumamente creativo que definieron la estética del cine de terror comercial estadounidense durante toda la década. Posteriormente, el debate se detiene en una obra algo menos conocida pero sumamente interesante por su componente metaliterario: Lecturas diabólicas (I, Madman, 1989), del director canadiense Tibor Takács, responsable también de la mítica La puerta (The Gate). La trama gira en torno a Virginia, una joven que lee una novela de terror sobre un médico deforme que arranca partes del rostro de sus víctimas, solo para descubrir que el asesino ha cobrado vida en su propia realidad. Los tertulianos alaban la atmósfera de cine noir y de estilo pulp que envuelve a la película, conectándola con la moda literaria de las novelas de bolsillo de terror de aquellos años, un fenómeno fuertemente impulsado por autores de la talla de Stephen King. La brutalidad vuelve a ser protagonista con El asesino de Rosemary (The Prowler, 1981), una salvaje cinta de Joseph Zito donde Tom Savini volvió a superarse a sí mismo en el diseño de las muertes, catalogadas por el grupo como unas de las más brutales y de peor gusto de la época, un factor que paradójicamente le añade valor artístico. De ahí pasan a comentar la extravagante secuela Hello Mary Lou: Prom Night II (1987), que funciona de manera independiente a la película original de la saga. La historia de Mary Lou Maloney, que regresa de la tumba con poderes sobrenaturales al más puro estilo de Freddy Krueger para recuperar su corona de graduación, es recordada con cariño por su espectacular e icónico póster ilustrado, donde se muestra a una chica saliendo de una taquilla envuelta en llamas. Los muñecos vivientes también tienen su espacio gracias a Dolls (1987), una producción de Charles Band dirigida por el gran Stuart Gordon. Esta breve película de apenas setenta minutos destaca por su tono gótico de cuento de hadas macabro, donde los juguetes cobran vida para impartir justicia contra aquellos adultos de mal corazón. El grupo analiza el uso magistral de la animación stop-motion y los efectos de escala, comparándola de manera favorable con la posterior y más longeva franquicia Puppet Master. Asimismo, se menciona de pasada El morador de las tinieblas (Cellar Dweller), escrita por un joven Don Mancini bajo seudónimo, consolidando el prolífico ecosistema de producciones de serie B de finales de los ochenta. Por último, los tertulianos recuerdan con una mezcla de horror y fascinación la película Transgen: Los genes de la muerte (The Kindred, 1987), célebre tanto por su inquietante póster, en el que se aprecia una mano tocando un frasco que contiene un feto deforme, como por la presencia de un estelar Rod Steiger en el reparto. La obra sobresale por sus excelentes y asquerosas mutaciones y transformaciones físicas corporales, que incluyen desde tentáculos hasta la aparición espontánea de branquias en los personajes humanos. En conclusión, el programa sirve como un completísimo y apasionado homenaje a una época dorada de creatividad analógica, donde las carátulas de los videoclubs despertaban la imaginación de los espectadores mucho antes de reproducir la cinta.
Transcribe →Prohibido Contar Ovejas: El notas fantasma ya está aquí
May 2801:33:25Tap to summarizeFelipe Couselo y sus colaboradores analizan la técnica del rasgueo apagado en el rock y reivindican el encanto del cine de serie B de los ochenta. En esta nueva entrega de Prohibido contar ovejas, el divertido programa nocturno de esRadio, su presentador, Felipe Couselo, se rodea de sus colaboradores habituales para ofrecer una velada repleta de música, cine de serie B y anécdotas compartidas. Junto a él se encuentran Alma Espinosa, Dani Palacios, Juanma González e Isaac Beechman, a quien cariñosamente rebautizan como Isán durante el programa. La emisión comienza con bromas sobre la voz ronca de Alma, afectada por el aire acondicionado de un evento del fin de semana, lo que desata una queja colectiva sobre el frío extremo de estos aparatos. El primer momento destacado de la noche llega de la mano de los regalos enviados por Pepe desde Cervera de Pisuerga, en la Montaña Palentina. El equipo realiza un desempaquetado en directo de deliciosos dulces típicos de la zona, como los famosos socorritos (tanto normales como bañados en chocolate) y unas pastas finas de té. Además, Pepe les envía regalos de Navidad atrasados que incluyen tazas y merchandising local bajo el lema Mi Norte. Este gesto genera un ambiente hogareño y distendido, muy característico del programa, que sirve como antesala perfecta para las secciones temáticas. La sección musical de Dani Palacios se centra en esta ocasión en versiones y remixes sorprendentes. La andadura musical comienza con un remix del tema Rock Your Body de Justin Timberlake, realizado por Kiko y editado por el sello Turbo Recordings. Palacios explica que esta canción, producida originalmente por The Neptunes (el dúo formado por Pharrell Williams y Chad Hugo), fue rechazada en su momento por Michael Jackson. A continuación, el colaborador presenta una llamativa versión disco-rock de I Was Made for Lovin' You a cargo de la banda muniquesa Queen of Japan, y un cover en clave de rock industrial y sintetizadores de Carne, huesos y tú de Alaska y Dinarama, obra de la banda Psycho, que sirve para recordar la etapa más oscura y de culto de la artista en 1984. Dani no se detiene ahí y continúa ofreciendo un ecléctico recorrido de remezclas notables. Destaca la versión de Slow de Kylie Minogue elaborada por Michael Mayer y Tobias Thomas, que cuenta con la voz de Matias Aguayo cantando de manera improvisada por encima. Asimismo, el equipo disfruta de la versión que Amatria realizó en 2015 del tema La Copa de Europa de Los Planetas, recordando su mítico álbum de 1998, Una semana en el motor de un autobús. El repaso musical culmina con la versión de Behind the Wheel de Depeche Mode por Playgroup, una pesada y oscura revisión de La Negra Flor de Radio Futura a manos de De La Fee y Flores Azules, el remix industrial de A Palé de Rosalía firmado por el productor Gesaffelstein, y la reinterpretación bailable de Toxic de Britney Spears por Felix da Housecat. Tras este bloque de versiones, Dani Palacios aborda de forma didáctica un concepto técnico muy particular de la guitarra: las notas fantasma (conocidas en inglés como ghost notes o death notes). El colaborador las define como una técnica en la que el músico apoya los dedos sobre las cuerdas sin llegar a pisar el mástil, logrando que el rasgueo produzca un sonido apagado, con un valor más rítmico y de percusión que melódico. Para que los oyentes lo entiendan de forma gráfica, utiliza como primer gran ejemplo el famosísimo inicio de Smells Like Teen Spirit de Nirvana, así como el característico rasgueo de Jimmy Nolen en Sex Machine de James Brown. La explicación de las notas fantasma prosigue analizando a otros colosos de las seis cuerdas. Dani destaca la técnica de Nile Rodgers en Good Times de Chic (un recurso conocido como chucking), el estilo de Cory Wong junto a Vulfpeck, la aportación de Teenie Hodges en Take Me to the River de Al Green, el clásico Pride and Joy de Stevie Ray Vaughan, el mítico Voodoo Child de Jimi Hendrix y el inicio de Can't Stop de Red Hot Chili Peppers a cargo de John Frusciante. Para cerrar este apartado técnico, muestra cómo se aplica este recurso bajo una distorsión extrema, pinchando 5 Minutes Alone de Pantera (con Dimebag Darrell al frente) y Weeds de Life of Agony (con Joey Z a la guitarra). Finalmente, Juanma González toma las riendas del programa con una de sus habituales secciones nostálgicas dedicadas al cine de terror de videoclub. En concreto, repasa aquellas películas que los jóvenes de los años ochenta alquilaban guiados únicamente por el impacto de sus carátulas ilustradas, más allá de la calidad real de la cinta. Entre los títulos analizados se encuentran Intruso en la noche (Intruder, dirigida por Scott Spiegel y con la muerte del director Sam Raimi en pantalla), Lecturas diabólicas (I, Madman de Tibor Takács), El asesino de Rosemary (The Prowler de Joseph Zito) y la secuela slasher Hello Mary Lou: Prom Night II. Juanma reivindica el encanto del cine de serie B de la época, sus efectos especiales artesanales y la magia de perderse en los pasillos de los antiguos videoclubes.
Transcribe →Prohibido Contar Ovejas: El arte de un buen baile
May 2601:36:54Tap to summarizeDe David Bowie a Whitney Houston, el espacio radiofónico de esRadio rinde tributo a la danza como una herramienta de sanación y libertad. Felipe Couselo presenta una nueva edición del programa Prohibido contar ovejas en esRadio, dedicado íntegramente en esta ocasión al arte del baile como un elemento de liberación universal. Couselo reflexiona sobre cómo la música y el movimiento corporal son capaces de romper barreras emocionales, citando una frase de la serie The Boys para destacar la importancia de bailar al menos una vez en la vida. A través de un recorrido musical, el locutor invita a los oyentes a dejarse llevar por el ritmo, sin importar las circunstancias personales o el estado de ánimo en el que se encuentren, proclamando que el baile es una herramienta de sanación colectiva indispensable. La andadura musical comienza con el popular tema I Don't Feel Like Dancin' de la banda estadounidense Scissor Sisters, una pieza irónica incluida en su exitoso segundo álbum, Ta-Dah. A pesar de su ritmo alegre y sumamente bailable, la letra describe la apática sensación de no querer bailar, haciendo un evidente guiño al clásico You Should Be Dancing de los míticos Bee Gees. A continuación, el programa se detiene en la imponente figura de David Bowie y su legendario tema Let's Dance, producido por Nile Rodgers. Couselo rememora la inclusión de esta canción en la banda sonora de la película Radio Encubierta, subrayando cómo el tema funciona tanto como una invitación al movimiento físico como una metáfora profunda sobre cómo decidimos conducirnos en la vida. El viaje continúa retrocediendo en el tiempo hasta finales de los años cincuenta con Do You Wanna Dance de Bobby Freeman, un tema de 1958 que exuda la esencia del más puro rock and roll primigenio. Couselo analiza la carga de sensualidad y expresión física intrínseca a este clásico, que ha sido versionado por artistas de la talla de Cliff Richard, los Ramones o los Beach Boys. Precisamente estos últimos protagonizan el siguiente bloque con su enérgico Dance, Dance, Dance de 1964, una composición de los hermanos Wilson y Mike Love que evoca de inmediato la cultura del surf, las fiestas playeras y la despreocupada juventud californiana de la época. Una de las grandes de la noche llega de la mano de Whitney Houston y su emblemático éxito de 1987 I Wanna Dance with Somebody (Who Loves Me), perteneciente a su aclamado segundo álbum de estudio, titulado sencillamente Whitney. Couselo se deshace en elogios hacia la portentosa voz de la artista, recordando su ilustre árbol genealógico musical como sobrina de Dionne Warwick y ahijada de Aretha Franklin, y destacando cómo este sencillo redefinió el pop bailable de la década. Este espíritu de libertad a través del movimiento sirve de enlace para hablar de Footloose, la mítica película de 1984 protagonizada por Kevin Bacon, cuyo tema principal homónimo, interpretado por Kenny Loggins, se alza como un himno contra la represión y el puritanismo. La música de corte latino se abre paso con la contagiosa y arrolladora Conga de Miami Sound Machine, lanzada en 1985 bajo el liderazgo de una espectacular Gloria Estefan. Couselo destaca cómo esta pieza sirvió para consagrar la transición de la artista desde las raíces tradicionales hacia el gran público del pop internacional. Además, analiza el curioso fenómeno sociológico de la conga en las bodas y celebraciones populares, donde el baile actúa como un agente desinhibidor infalible capaz de arrastrar a la pista incluso a los más reticentes, demostrando que el ritmo es capaz de derribar cualquier prejuicio. El programa rinde tributo también a la era dorada de la música disco con dos grandes referentes: The Jacksons y su bailable Blame It on the Boogie de 1978, seguido por el clásico Boogie Wonderland de la banda Earth, Wind & Fire, extraído de su álbum I Am de 1979. Couselo defiende con entusiasmo el legado de la música disco, a menudo denostada por la crítica pero poseedora de una energía inigualable orientada a la evasión y el disfrute. El locutor asocia el dinamismo de estas producciones con la necesidad de encontrar momentos de liberación emocional en medio de las tensiones cotidianas de la sociedad actual. En un giro más sombrío pero igualmente rítmico, suena Dancing with Tears in My Eyes de la banda de synth-pop Ultravox, un rotundo éxito de 1984 que oculta, bajo sus sintetizadores bailables, una dramática narración sobre un inminente apocalipsis nuclear. Esta idea de bailar ante la adversidad da paso al rebelde Billy Idol y su emblemática Dancing with Myself, inspirada en una visita del cantante a una discoteca de Tokio donde los jóvenes bailaban frente a sus propios reflejos en los espejos. Couselo resalta la fuerza de estos temas como mecanismos de resistencia y autoafirmación individual ante la soledad y el aislamiento que a menudo caracterizan a la vida moderna. La última parte del programa se convierte en un torbellino que abarca distintas décadas y estilos, comenzando por el año 1991 con la arrolladora Gonna Make You Sweat (Everybody Dance Now) de C+C Music Factory, un indiscutible clásico de las pistas de baile de los noventa. A esta le sigue la sofisticada Murder on the Dancefloor de Sophie Ellis-Bextor, publicada en 2001 y coescrita junto a Gregg Alexander, y la pegadiza Dancing on the Ceiling de Lionel Richie de 1986. Tras un recordatorio al clásico cinematográfico Grease con el tema Born to Hand Jive interpretado por los irreverentes Sha Na Na, el broche de oro lo pone el enérgico Chubby Checker con su inmortal The Twist, despidiendo el programa con una soberbia demostración de cómo el baile sigue siendo el lenguaje universal más potente para unir a las personas.
Transcribe →Prohibido Contar Ovejas: Un videoclip de Spike Jonze
May 2601:33:18Tap to summarizeUn viaje sonoro por las míticas creaciones para grupos como R.E.M. o Daft Punk que consolidaron al creador de 'Her' en la cultura pop. El programa de esRadio Prohibido contar ovejas, presentado por Felipe Couselo, dedica este episodio especial a repasar la trayectoria de uno de los creadores más influyentes del panorama audiovisual contemporáneo: el director estadounidense Spike Jonze. A lo largo de la emisión, se realiza un minucioso viaje sonoro y visual por los videoclips que definieron la estética de los años noventa y principios de los dos mil, consolidando la reputación de Jonze como un genio de la cultura pop y del videoclip musical. El recorrido comienza con el emblemático tema 100% de la banda de rock alternativo Sonic Youth, extraído de su aclamado álbum Dirty (1992). En este videoclip, que rinde homenaje a un amigo fallecido del grupo, Jonze captura la esencia de la juventud urbana y el mundo del monopatín en Nueva York. A continuación, el programa da paso a Cannonball, el éxito de la banda femenina The Breeders perteneciente a su trabajo Last Splash (1993). Este vídeo, co-dirigido junto a Kim Gordon, destaca por su famosa imagen de una bola de cañón rodando por las calles, un recurso visual sencillo pero con un impacto icónico imborrable. El año 1994 es clave en la producción de Jonze. El locutor destaca el videoclip de Buddy Holly para la banda Weezer, incluido en su debut homónimo conocido como el Blue Album. En esta pieza maestra de la edición, Jonze integra de manera brillante a los miembros de la banda dentro del decorado original de la mítica serie de televisión de los años setenta Happy Days. El resultado fue una obra de arte nostálgica que no solo arrasó en las listas de éxitos, sino que se convirtió en uno de los vídeos más premiados de la cadena MTV, definiendo una era para el rock alternativo. Ese mismo año, Jonze también firmó el videoclip de Feel the Pain para la banda Dinosaur Jr., perteneciente al álbum Without a Sound. El vídeo muestra a los músicos jugando al golf en plena ciudad de Nueva York. El presentador aprovecha para reflexionar sobre cómo este tipo de producciones permitieron a las bandas de la época sortear la censura de las televisiones musicales y expandir su mensaje a un público masivo, logrando un equilibrio perfecto entre la rebeldía del underground y las exigencias de la difusión comercial. La relación creativa de Jonze con los Beastie Boys se analiza a través del inolvidable videoclip de Sabotage, tema estrella de su álbum Ill Communication (1994). Esta obra es una parodia directa de las series policiales de acción de los años setenta, como Starsky & Hutch, donde los músicos encarnan a intrépidos detectives con bigotes y pelucas. Couselo destaca que este trabajo no solo es una de las colaboraciones más divertidas del director, sino que representa un hito absoluto en la historia de la producción videográfica. En 1995, la banda R.E.M. colaboró con Jonze en el tema Crash with Eyeliner, de su disco Monster. El locutor, confeso admirador de este álbum, describe la particular estética del videoclip, protagonizado por jóvenes japoneses que realizan un enérgico lipsync de la canción. Asimismo, se mencionan otras colaboraciones posteriores entre el director y la formación liderada por Michael Stipe, como el elegante vídeo de Electrolyte, perteneciente a su posterior álbum New Adventures in Hi-Fi, lo que demuestra la versatilidad de Jonze para adaptarse a diferentes propuestas artísticas. La polifacética Björk también tiene un papel destacado en el programa gracias a It's Oh So Quiet, del álbum Post (1995). Este videoclip es una de las producciones más coloridas de Jonze, concebida como un tributo a los grandes musicales clásicos de Hollywood de mediados del siglo XX. La espectacular coreografía y el uso expresivo del color convirtieron este trabajo en un éxito internacional incontestable. Además de este tema, Couselo recuerda que Jonze volvería a colaborar con la artista islandesa en otros proyectos visuales, como Triumph of a Heart (del disco Medúlla) o It's in Our Hands, afianzando una alianza creativa única. La música electrónica y de club tiene su espacio con Daft Punk y su icónico tema Da Funk, perteneciente al álbum Homework (1997). En este vídeo, un actor disfrazado de perro antropomórfico camina por las calles de Nueva York cargando un radiocasete gigante, lo que sirve como metáfora de la alienación urbana. Además, Couselo repasa otras incursiones del director en géneros cercanos como el hip-hop, destacando su trabajo con el grupo The Pharcyde en el tema Drop, donde empleó la técnica de grabar la acción al revés para crear un efecto visual asombroso. Otro de los momentos cumbres del programa llega al recordar Praise You de Fatboy Slim (1998). El locutor narra la divertida anécdota de cómo surgió este videoclip: Jonze envió una grabación casera de él mismo bailando para convencer al músico Norman Cook de realizar una coreografía en formato de flash mob. Grabado con cámara en mano y sin permisos frente a un cine de Los Ángeles, Jonze interpreta al líder de un grupo de baile aficionado. Esta obra de bajo presupuesto y espíritu gamberro se coronó como una de las más ingeniosas del director, quien también firmaría para el mismo artista el celebrado Weapon of Choice, protagonizado por el actor Christopher Walken en un inolvidable vuelo dancístico. Felipe Couselo no olvida mencionar la exitosa transición de Spike Jonze hacia la dirección cinematográfica comercial. El locutor repasa las cuatro películas que componen su filmografía como director: la aclamada Being John Malkovich (1999) y la brillante Adaptation (2002), ambas con guiones del genial Charlie Kaufman; la poética adaptación del clásico de la literatura infantil Where the Wild Things Are (2009); y la premiada Her (2013), protagonizada por Joaquin Phoenix. Estas obras cinematográficas demuestran que la visión artística de Jonze trasciende el formato breve y es capaz de construir relatos cinematográficos profundos y memorables. El programa concluye rescatando otras joyas del director, como el melancólico videoclip de Guess I'm Doing Fine de Beck, del álbum Sea Change (2002); el enérgico Car Song de la banda de britpop Elastica (1995); el controvertido y oscuro vídeo para el tema Y Control de Yeah Yeah Yeahs (2004); y la impresionante propuesta visual de The Suburbs para Arcade Fire (2010), que formó parte de un cortometraje homónimo del propio realizador. Finalmente, el espacio despide la emisión con el potente Electrobank de The Chemical Brothers (1997), perteneciente al álbum Dig Your Own Hole, cerrando así un exhaustivo y nostálgico homenaje a la figura de un director imprescindible para entender la evolución del videoclip moderno.
Transcribe →Prohibido Contar Ovejas: Prohibido matar viejas
May 2101:18:10Tap to summarizeEl programa de Felipe Couselo aborda la vuelta de Cancer Bats, el proyecto de Ed O’Brien y el inclusivo Festival Visibles de artes escénicas. En esta nueva edición de Prohibido contar ovejas, el magacín nocturno de esRadio conducido por Felipe Couselo, el equipo comienza con una distendida charla sobre tecnología y ergonomía móvil. Pronto, la conversación se desvía hacia la creciente presencia de la inteligencia artificial en las llamadas comerciales, analizando con humor cómo estas tecnologías automatizadas intentan gestionar portabilidades de suministros básicos sin que el usuario se percate de que habla con una máquina. En el plano musical, se analiza el proyecto en solitario de Ed O’Brien, guitarrista de la mítica banda Radiohead, quien presenta su disco Bloom Morfo. El equipo describe el estilo como una sugerente mezcla de electrónica lírica y optimismo melancólico, alejándose de los senderos más sombríos de su banda principal para ofrecer una propuesta luminosa y esperanzadora. El programa continúa con el repaso a la actualidad de la banda canadiense Cancer Bats, que regresa con fuerza gracias al tema Stay Stuck, un adelanto de su próximo trabajo de estudio, Give Me Dirt. Dani Palacios destaca la energía desbordante de este grupo de metal y punk, liderado por Liam Cormier, y anuncia las fechas de su inminente gira por España, que recalará en ciudades como Barcelona, Castellón y San Feliu de Guíxols. La veteranía llega de la mano de los incombustibles Deep Purple, quienes preparan el lanzamiento de su vigésimo cuarto álbum de estudio, titulado provisionalmente Splat. Con la incorporación del virtuoso Simon McBride a la guitarra y la producción del legendario Bob Ezrin, el grupo demuestra que quien tuvo, retuvo, manteniendo una calidad de producción excelsa que entusiasmará a los amantes del hard rock clásico. Dani Palacios también presenta a Gang, una misteriosa formación de punk-rock alternativo cuyos integrantes ocultan su rostro bajo pasamontaños verdes y que acaban de lanzar el sencillo Super Saiyan. A continuación, el debate gira hacia el hip-hop nacional con Galería, una colaboración entre Elio Toffana, Dano y el canario Bejo, perteneciente al aclamado álbum Grávitas, donde se resalta la particular estética y el provocativo diseño gráfico que caracteriza la iconografía de Bejo. Cerramos el bloque de novedades musicales con la polifacética Nathy Peluso y su reciente lanzamiento Grasa. En esta ocasión, el programa destaca la remezcla electrónica realizada por el prestigioso productor británico Mura Masa en el recopilatorio Club Grasa, una propuesta de ritmos rotos y electrónica tribal muy bailable que no deja indiferente al oyente. En la sección de artes escénicas, se pone en valor la inauguración del Festival Visibles en Madrid, un evento dedicado por entero a promover la inclusión real de las personas con discapacidad en el teatro, la danza y la música. Con obras como Espasity, El Placer También o Si no dos, el certamen aboga por normalizar la diversidad funcional sobre las tablas, un loable esfuerzo que busca la accesibilidad universal en el ámbito cultural. En el apartado cinematográfico, Juanma González analiza el esperado regreso de la saga galáctica a la gran pantalla con la película The Mandalorian & Grogu, dirigida por Jon Favreau. En un certero análisis que sintoniza con la crítica a la deriva ideológica de las grandes corporaciones, se describe cómo el universo de Star Wars sufre actualmente una profunda división interna debido a los bandazos creativos de Disney y su obsesión por imponer agendas políticamente correctas en detrimento de la aventura clásica. Frente a este panorama desalentador, el equipo destaca la figura de Dave Filoni como el verdadero guardián de las esencias de la franquicia gracias a sus sobresalientes trabajos de animación en Clone Wars y Rebels. El análisis recalca la necesidad de recuperar el espíritu del western espacial y la mística original de George Lucas para salvar a la saga de un declive comercial irreversible. La sección de efemérides conmemora el aniversario de dos hitos fundamentales de la historia de la música popular: la publicación del trascendental álbum What's Going On de Marvin Gaye en 1971 y la grabación de la mítica Maybellene por Chuck Berry en 1955. Asimismo, se celebra el 67º cumpleaños del icónico Morrissey, rememorando su etapa al frente de The Smiths con himnos imperecederos como There Is a Light That Never Goes Out y This Charming Man. Finalmente, el programa echa el cierre recordando el éxito de Paul McCartney con su banda Wings y la imperecedera Silly Love Songs, que alcanzó el número uno en las listas estadounidenses hace exactamente cincuenta años. El programa despide la emisión reflexionando sobre el poder curativo de las canciones de amor y el legado optimista de la música pop frente a los cinismos de la época contemporánea.
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Telele: Los músicos también tienen sus series
May 2100:13:37Tap to summarizeRepasamos cinco series musicales que combinan elementos reales con la ficción, analizando su impacto y la recepción por parte de los seguidores. En esta entretenida sección de radio, los colaboradores abordan el indiscutible auge de los biopics y de las producciones que giran en torno a la industria de la música, motivados por los recientes éxitos de taquilla y el interés continuo del público en las vidas de sus artistas favoritos. La presentadora, Alma, junto a sus compañeros Juanma y Felipe, dedican estos minutos a repasar cinco series musicales destacadas que combinan elementos reales con la ficción, analizando su impacto y la recepción por parte de los seguidores más fieles. La primera producción analizada es Luis Miguel: La serie, disponible en la plataforma Netflix. Esta serie de tres temporadas, estrenada en 2018, supuso un auténtico fenómeno de masas al destapar la turbulenta vida del famoso cantante mexicano. Los locutores comentan cómo la telerrealidad supera a la ficción en este caso, mostrando aspectos tan dramáticos como su infancia explotada, la misteriosa desaparición de su madre, la implacable presión ejercida por su padre y sus sonados romances. Destacan también el minucioso trabajo de interpretación y caracterización del actor Diego Boneta, quien pasó años preparándose para asumir el papel del icónico artista y logró recrear de forma fidedigna tanto su voz como sus ademanes físicos. La segunda recomendación es Daisy Jones & The Six, que se puede disfrutar en el catálogo de Prime Video. La historia narra el ascenso y la estrepitosa caída de una banda de rock en los años setenta, un argumento profundamente inspirado en las dinámicas internas del grupo de rock real Fleetwood Mac, especialmente en la relación entre Stevie Nicks y Lindsey Buckingham durante la accidentada grabación de su álbum de culto Rumours. Los colaboradores bromean sobre la presencia constante de drogas, alcohol, tensiones amorosas y disputas de ego entre los integrantes de la banda de ficción, elementos que también marcaron de forma trágica a las leyendas del rock en la vida real. A continuación, el programa pone el foco sobre Pistols, una serie emitida en Disney+ bajo la notable dirección del cineasta Danny Boyle. Esta serie retrata los inicios del movimiento punk a través de la controvertida historia de los Sex Pistols, relatada desde la particular perspectiva de su guitarrista, Steve Jones. Alma señala que, a diferencia de otras producciones que han recibido duras críticas por parte de los seguidores del grupo, esta entrega fue bien acogida a pesar de plasmar de forma explícita el caos, la rebeldía, el consumo desenfrenado de sustancias y las provocaciones constantes que caracterizaban a la mítica banda londinense. En cuarto lugar, se menciona Mozart in the Jungle, protagonizada por el actor mexicano Gael García Bernal en el papel de un excéntrico director de orquesta. Esta aclamada comedia dramática de Prime Video sumerge al espectador en el competitivo e intrigante universo de la música clásica en Nueva York, tomando como punto de partida las memorias escritas por la oboísta Blair Tindall. La serie fue objeto de opiniones encontradas: mientras algunos miembros del ámbito académico y musical elogiaron el retrato de las rivalidades y pasiones internas, otros criticaron ciertas exageraciones argumentales del guion. Por último, los presentadores cierran la lista con la serie dramática Empire, centrada en un imperio discográfico especializado en música hip-hop. La trama, protagonizada por Terrence Howard en el papel de Lucious Lyon, explora las feroces disputas familiares por el control de la compañía, así como las luchas de egos de los artistas del género. A lo largo de sus temporadas, la producción contó con numerosos cameos de estrellas reales de la industria musical y destacó por su vibrante banda sonora, ofreciendo un reflejo de las complejas dinámicas de poder que mueven los hilos del negocio de la música a nivel internacional.
Transcribe →Las cosas de Palacios: En modo Karaoke
May 2100:27:58Tap to summarizeDe 'Lost in Translation' a 'Huevos de oro', Dani Palacios analiza las escenas musicales más icónicas de la gran pantalla. El equipo del programa radiofónico de Onda Cero comienza la conversación de manera muy distendida, bromeando sobre la higiene personal, las fragancias corporales y patrocinadores ficticios como la crema depilatoria Donallo. Tras este preámbulo humorístico, el colaborador Daniel da paso a su sección dedicada a la historia del karaoke en el cine. Daniel explica que, lejos de ser un mero entretenimiento de fondo, cantar frente a una pantalla con la letra de una canción ha funcionado a menudo como un recurso narrativo clave en la gran pantalla. A través de este recurso, los directores logran retratar la vulnerabilidad, la locura o el romanticismo de sus personajes de una manera directa y sumamente eficaz para el espectador. El repaso comienza con la película Duets, dirigida por Bruce Paltrow, un largometraje que se sumerge por completo en el mundo competitivo del karaoke a través de varias tramas cruzadas. En esta cinta destaca la interpretación que realizan Gwyneth Paltrow y Huey Lewis del clásico de Smokey Robinson, Cruisin', una de las canciones más icónicas de la banda sonora de la película, que también incluye versiones de temas célebres como Bette Davis Eyes. Asimismo, el presentador alude de pasada a la comedia Balls Up, en la que Mark Wahlberg y Paul Walter Hauser sorprenden al público con una interpretación musical inesperada de la conocida canción de Gotye, Somebody That I Used to Know, permitiendo a los tertulianos bromear sobre el pasado como rapero de Wahlberg y su actual obsesión por la vida sana y el ejercicio físico. La siguiente parada del recorrido se detiene en The Cable Guy, conocida en España como Un loco a domicilio. Dirigida por Ben Stiller, la película ofrece un momento inolvidable gracias a la desbocada energía de Jim Carrey interpretando un clásico del rock psicodélico: Somebody to Love de la mítica formación Jefferson Airplane. Los colaboradores aprovechan este punto para repasar detalles históricos de la banda, como los trágicos incidentes del concierto de Altamont, añadiendo contexto histórico musical a la charla. Seguidamente, se analiza una de las escenas de karaoke más famosas de la comedia romántica en My Best Friend's Wedding (La boda de mi mejor amigo). En ella, el personaje de Julia Roberts orquesta una humillación fallida contra su rival amorosa, interpretada por Cameron Diaz, obligándola a cantar I Just Don't Know What to Do with Myself; sin embargo, la honestidad y falta de talento de esta última terminan por ganarse el cariño de todos los presentes. El análisis prosigue con Lost in Translation, la aclamada película de Sofia Coppola, donde Bill Murray regala al cine contemporáneo una de sus escenas más íntimas y delicadas al cantar la melancólica More Than This de Roxy Music frente a Scarlett Johansson. Este momento sirve de catalizador para que una de las tertulianas recuerde su propia experiencia cantando en locales de Tokio y reflexione sobre el choque cultural que supone el karaoke en Japón, donde las salas acristaladas que dan a la calle convierten el canto aficionado en un espectáculo público cargado de euforia. Con un tono igualmente romántico pero de corte más indie, Daniel destaca también 500 Days of Summer (500 días juntos), donde Joseph Gordon-Levitt utiliza el tema Here Comes Your Man de The Pixies para canalizar el enamoramiento de su personaje. La sección da un giro sorprendente al vincular la música con el género de terror y suspense en la película I Know What You Did Last Summer (Aún sé lo que hicisteis el último verano). En ella, el personaje de Jennifer Love Hewitt interpreta la famosa canción de Gloria Gaynor, I Will Survive, ignorando que el asesino ha hackeado el apuntador de la pantalla para dejarle un mensaje amenazante en tiempo real. En el extremo opuesto de la escala emocional, los colaboradores alaban la enorme carga emocional de una escena de la película espacial Proxima (mencionada de forma errónea en el programa como Proyecto Salvación), en la que la actriz francesa Eva Green canta Sign of the Times de Harry Styles en una íntima fiesta de despedida antes de partir en una arriesgada misión hacia el espacio exterior. Finalmente, el programa rinde homenaje al cine español rescatando la película de Bigas Luna Huevos de oro, protagonizada por un magnético Javier Bardem. Ataviado con un bañador y una americana con estampado de leopardo, el personaje de Bardem canta al oído de Maribel Verdú y Maria de Medeiros el emblemático tema de Julio Iglesias Por el amor de una mujer, en un derroche de testosterona característico de la filmografía de su director. Los locutores concluyen la sección entre risas, planteando futuras temáticas que exploren otros arquetipos clásicos de la música en la pantalla, como los personajes que cantan en la ducha, las serenatas de balcón o las actuaciones de las mujeres fatales del cine negro.
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