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Prohibido contar ovejas
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Prohibido Contar Ovejas: Un videoclip de Jonas Akerlund
May 1201:44:32Tap to summarizeUn recorrido sonoro por la carrera del director de "Ray of Light", figura clave de la cultura visual contemporánea analizada por Felipe Couselo. En una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, Felipe Couselo dedica el programa a la figura de Jonas Åkerlund, uno de los directores de videoclips más influyentes y polémicos de las últimas décadas. A lo largo de la emisión, se realiza un recorrido sonoro por las canciones que marcaron un antes y un después en la cultura visual gracias a la particular visión del realizador sueco, quien ha sabido transitar entre el metal más oscuro, el pop más brillante y la provocación absoluta. El programa comienza recordando los inicios de Åkerlund, quien antes de ponerse tras la cámara fue batería de la banda de metal Bathory. Su primera incursión en la dirección de videoclips fue con el tema Bewitched de Candlemass, una pieza que Couselo destaca como el punto de partida de una estética transgresora. A pesar de sus raíces en el metal, el director demostró una versatilidad asombrosa al colaborar extensamente con sus compatriotas Roxette, dirigiendo piezas tan coloristas y vitalistas como June Afternoon o la versión en español de Spending My Time, titulada Un día sin ti. Uno de los momentos cumbres del resumen se centra en el videoclip de Smack My Bitch Up de The Prodigy. Felipe Couselo narra cómo este trabajo supuso la consagración internacional de Åkerlund al emplear una cámara subjetiva en primera persona que sumerge al espectador en una noche de excesos. La polémica y la censura rodearon este video debido a su contenido explícito, aunque su giro final —donde se revela que el protagonista es una mujer— rompió los prejuicios de la época y se convirtió en un hito de la narrativa musical. La relación de Åkerlund con las grandes divas del pop también ocupa un lugar central. Se analiza el impacto de Ray of Light de Madonna, un video frenético que ganó el Grammy y que utilizaba técnicas de cámara rápida para mostrar el ritmo vertiginoso de la vida moderna. Esta colaboración dio pie a una sociedad creativa duradera que continuaría con temas como Music o American Life. Asimismo, se menciona el trabajo con Christina Aguilera en Beautiful, donde el director abordó temas sociales como la anorexia, el racismo y la homofobia en un año, 2002, en el que estos asuntos aún se trataban con cierta distancia en los medios comerciales. El rock y el metal regresan al programa de la mano de Metallica y su versión de Whiskey in the Jar. Couselo explica que la banda de San Francisco encontró en el sueco al aliado perfecto para capturar la energía de sus fiestas en el backstage. Otros artistas que pasaron por su lente fueron The Cardigans con My Favourite Game, rodado en el desierto de Mojave y censurado por sus violentos choques de coches, y Jamiroquai con Canned Heat, donde Jay Kay despliega su dinamismo coreográfico entre habitaciones que parecen desafiar la gravedad. Hacia el final del programa, se repasan colaboraciones con bandas legendarias como U2 en Beautiful Day, rodado en el aeropuerto Charles de Gaulle, y The Rolling Stones en Rain Fallin' Down. No obstante, el punto de mayor provocación lo marca Rammstein con Pussy, un video con tintes pornográficos que Åkerlund dirigió utilizando dobles de cuerpo para los músicos, llevando al límite el concepto de arte explícito. Finalmente, Couselo cierra la emisión con Lady Gaga y Beyoncé en Telephone, una superproducción llena de referencias cinematográficas a *Kill Bill*, y el icónico ojo en primer plano de Porcelain de Moby. El programa concluye reafirmando que Jonas Åkerlund no es solo un director, sino un arquitecto visual que ha definido la estética de la música contemporánea a través de la transgresión y la excelencia técnica.
Transcribe →Prohibido Contar Ovejas: Lo de ahora, lo de siempre
May 801:21:22Tap to summarizeUn recorrido por la historia del pop, la evolución artística de las Spice Girls y el cine inmersivo de James Cameron en el documental de Eilish. En esta nueva entrega de Prohibido contar ovejas, el programa nocturno de esRadio, Felipe Couselo dirige una charla distendida junto a su habitual equipo de colaboradores, compuesto por Isaac Vizcaíno, Dani Paraceos, Juanma González, Alma Espinosa y Miriam García. La emisión comienza con un ambiente de camaradería donde se mezclan bromas internas, como las anécdotas sobre los grillos de Dani Paraceos, con la actualidad cultural más fresca, marcando el tono de un espacio que transita entre la crítica cinematográfica, las novedades musicales y las efemérides que han definido la historia del rock y el pop. Uno de los ejes centrales del programa es el repaso a las efemérides musicales. Se destaca el aniversario de Hotel California, el emblemático tema de Eagles que alcanzó el número uno en Estados Unidos en 1977. Couselo reflexiona sobre el significado profundo de la canción, describiéndola como un lugar mental donde las ilusiones y la inocencia mueren, subrayando la influencia cultural de un disco que sobrevivió a la era del punk y el post-punk. Asimismo, se conmemora el lanzamiento de Moonage Daydream de David Bowie en 1971 y el fin de una era con la publicación de Let It Be de The Beatles en 1970, el último álbum comercializado por la banda tras su traumática separación. En el apartado de novedades, el equipo analiza la trayectoria de bandas emergentes y figuras consolidadas que regresan al panorama actual. Se menciona a James and the Cold Gun, una formación de Cardiff que destaca por su rock enérgico y su actitud en el escenario, especialmente con su último sencillo Split Second. También hay espacio para la nostalgia reconvertida en modernidad con Melanie C, la antigua integrante de las Spice Girls, que presenta su noveno álbum de estudio titulado Sweat. Los colaboradores debaten sobre su evolución artística y su capacidad para mantener una propuesta bailable con ritmos de club sin perder su esencia atlética. La música electrónica y experimental también tiene su hueco con Lip Critic, una banda de Nueva York que autodefine su estilo como electro-punk. Lo más llamativo de su propuesta es su formación en directo, que incluye dos baterías acústicas y un uso intensivo de samplers, creando una experiencia sonora cruda y original. Además, se comenta el lanzamiento póstumo de Lee "Scratch" Perry en colaboración con Mouse on Mars, titulado Spatial No Problem, y el nuevo proyecto industrial de Robert Görl, miembro fundador de los míticos DAF, quien sigue explorando los sonidos duros y analógicos del EBM alemán. En cuanto a las bandas sonoras, el programa se detiene en el universo de Star Wars. Se analiza el trabajo de Ludwig Göransson para The Mandalorian and Grogu, centrándose en el remix de Boys Noize que aporta un aire más electrónico y oscuro a la franquicia. Juanma González e Isaac Vizcaíno dialogan sobre cómo compositores provenientes del pop o el rock, como Trent Reznor de Nine Inch Nails, han logrado redefinir el cine contemporáneo mediante texturas sonoras innovadoras que dialogan perfectamente con la imagen. La sección de teatro, a cargo de Alma Espinosa, trae noticias sobre la reposición de La aventura de la palabra en el Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez. Este montaje teatral, protagonizado por Nacho Novo y Marta Poveda, se basa en el discurso de ingreso de Fernando Fernán Gómez en la Real Academia Española (RAE). Espinosa recomienda fervientemente esta obra, que utiliza la dramaturgia del lenguaje para rendir homenaje a uno de los grandes intelectuales de España, destacando la interpretación de sus actores y la relevancia de un texto que explora la evolución del castellano en el siglo XX. El cine ocupa una parte sustancial del tiempo de emisión, con críticas encontradas sobre los estrenos de la semana. Juanma González se muestra implacable con Mortal Kombat 2, a la que califica como una película visualmente sosa y dirigida por un "piloto automático". A pesar del fichaje de Karl Urban, González considera que la cinta carece de alma y es una oportunidad perdida para expandir el universo del videojuego de manera cinematográfica, comparándola negativamente con otras adaptaciones que sí logran transmitir la pasión de sus creadores. Por el contrario, el equipo alaba unánimemente Las ovejas detectives, una producción que mezcla la intriga criminal al estilo de Agatha Christie con el carisma de animales de granja. Protagonizada por Hugh Jackman en la versión original y con la participación de Nicholas Braun, la película es destacada por sus efectos visuales discretos y su capacidad para funcionar como una comedia familiar de alta calidad. González la compara con el tono de las películas de Paddington, subrayando que es una de las sorpresas del año por su guion inteligente y su capacidad para entretener a públicos de todas las edades. Finalmente, el resumen de actualidad cinematográfica incluye dos documentales de temática musical. El primero, Los mejores años de nuestra vida, narra la historia de la banda española Hombres G, enfocándose en la amistad de sus cuatro componentes y su inesperado resurgimiento como estrellas internacionales. El segundo es el documental de Billie Eilish, Hit Me Hard and Soft, dirigido por James Cameron. Los colaboradores destacan la experiencia inmersiva del uso de cámaras 3D en este último, que transporta al espectador directamente al concierto de Manchester, demostrando que el cine documental musical está alcanzando nuevas cotas tecnológicas y narrativas.
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Las cosas de Palacios: Del pop y el rock a la OST
May 700:27:42Tap to summarizeMark Knopfler o Stewart Copeland demuestran cuánto talento musical trasciende géneros para elevar calidad en grandes producciones. En una nueva entrega de la sección Las Cosas de Palacio, emitida en el programa de esRadio, se analiza la fascinante transición de grandes figuras del pop y el rock hacia el mundo de las bandas sonoras cinematográficas. El punto de partida de este repaso es Pino Donaggio, un artista que personifica la dualidad de conocimiento: mientras que las generaciones de los años 60 lo recuerdan como un exitoso cantante de pop italiano, los cinéfilos lo reconocen como el compositor de cabecera de directores de la talla de Brian De Palma o Joe Dante. El programa destaca la labor de Trent Reznor y Atticus Ross, líderes de la banda industrial Nine Inch Nails, quienes han redefinido el sonido del cine moderno a través de su colaboración con David Fincher. Su trabajo en películas como The Social Network —por la que ganaron un Oscar— o la banda sonora de Soul, demuestra una capacidad asombrosa para trasladar la experimentación electrónica al lenguaje narrativo de la gran pantalla, alejándose de los cánones orquestales tradicionales. Otro nombre imprescindible en este análisis es el de Danny Elfman. Antes de convertirse en el socio inseparable de Tim Burton y crear las atmósferas góticas de filmes como Beetlejuice o Edward Scissorhands, Elfman era el carismático vocalista de la banda de new wave Oingo Boingo. Su evolución es citada como uno de los ejemplos más exitosos de cómo la energía del escenario se puede transformar en partituras icónicas para la historia del cine. La lista continúa con Mark Mothersbaugh, cofundador de la influyente banda Devo, quien ha sabido compaginar su estética visual transgresora con la composición para directores tan particulares como Wes Anderson o para superproducciones de Marvel como Thor: Ragnarok. Asimismo, se menciona a Cliff Martinez, antiguo batería de los Red Hot Chili Peppers, cuya carrera como compositor de paisajes sonoros electrónicos en cintas como Drive o The Neon Demon lo sitúa como un maestro de la atmósfera minimalista. En el ámbito del rock alternativo, Clint Mansell (vocalista de Pop Will Eat Itself) y Jonny Greenwood (guitarrista de Radiohead) han dejado una huella imborrable. Mansell es el responsable de la sobrecogedora música de Requiem for a Dream, mientras que Greenwood ha sido aclamado por su labor junto a Paul Thomas Anderson en obras maestras como There Will Be Blood. Ambos artistas han aportado un enfoque vanguardista y experimental que ha enriquecido la profundidad emocional de las imágenes que acompañan. El repaso no olvida a dúos creativos como el formado por Nick Cave y Warren Ellis, cuya melancolía característica se traslada a la perfección en bandas sonoras para películas como The Road o The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford. También se resalta la figura de Ry Cooder, cuyo virtuosismo con la guitarra slide en Paris, Texas no solo marcó un hito en el cine de Wim Wenders, sino que su tema principal se convirtió en una sintonía emblemática en la televisión española. Finalmente, se mencionan las aportaciones de Stewart Copeland, batería de The Police, en películas como Rumble Fish o Wall Street; los pioneros alemanes Tangerine Dream en Sorcerer; y el legendario Mark Knopfler, líder de Dire Straits, cuyas composiciones para Local Hero o The Princess Bride son ya parte del imaginario colectivo. El programa concluye subrayando cómo todos estos artistas han logrado que su talento trascienda los géneros populares para elevar la calidad artística del séptimo arte.
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Telele: Los slice of life o como ver una serie contemplativa
May 700:23:00Tap to summarizeEl costumbrismo narrativo se impone como vía de escape, priorizando la sencillez de los días comunes sobre los giros de guion traumáticos y épicos. Alma Espinosa analiza en esRadio la tendencia narrativa conocida como slice of life, o 'rebanada de vida', utilizando como pretexto el estreno en Movistar+ de la serie Yo Siempre a Veces. Esta producción española narra la historia de una joven que, a punto de trasladarse a Berlín por una gran oportunidad laboral, descubre que está embarazada tras una noche de fiesta en Barcelona. A partir de esta premisa, Espinosa explica cómo este género se centra en el transcurrir cotidiano de la existencia, alejándose de los grandes artificios épicos o giros de guion traumáticos que suelen inundar la ficción contemporánea. El concepto del slice of life no es nuevo, ya que tiene sus raíces en el teatro del siglo XIX, cuando los autores comenzaron a retratar la vida de la gente común frente a las epopeyas de héroes. Sin embargo, Espinosa destaca que es en Japón donde el género ha alcanzado su máximo esplendor. En una sociedad marcada por el agotamiento y jornadas laborales infinitas, los ciudadanos nipones demandan contenidos que reflejen paz y tranquilidad. Esta necesidad de desconexión ha convertido en éxitos a mangas y series que simplemente muestran el día a día de una persona sin que ocurra nada extraordinario. Durante la tertulia en Es la Mañana de Federico, se subraya la diferencia entre la interpretación oriental y la occidental de este estilo. Mientras que en Japón una obra puede ser puramente contemplativa —como el manga Koi—, en Occidente se tiende a introducir una mayor carga emocional y dramática. Según Espinosa, el público europeo y estadounidense es más reticente a consumir productos donde no hay un conflicto claro, lo que obliga a los creadores a dinamizar las historias con elementos que rompan la linealidad de lo cotidiano. Como ejemplo de esta adaptación occidental, se cita la serie Normal People, basada en la novela de Sally Rooney. Aunque la producción de la BBC y Hulu se centra en la relación de dos jóvenes y su evolución a lo largo del tiempo, contiene una intensidad dramática que la separa del purismo japonés. La colaboradora explica que, aunque retrata la vida común, la serie está cargada de momentos de gran impacto sentimental que buscan retener la atención de un espectador acostumbrado a narrativas más movidas. Otro referente analizado es La Amiga Estupenda, disponible en HBO. Esta serie, que adapta las novelas de Elena Ferrante, sigue la vida de dos amigas en una Nápoles de posguerra. A pesar de su ritmo pausado y su enfoque en el crecimiento personal, Espinosa señala que el trasfondo social y los conflictos interpersonales actúan como el motor de la trama, alejándola de la simple observación pasiva de la realidad. Es, en definitiva, un costumbrismo elevado que todavía depende de la estructura narrativa tradicional de Occidente. El debate también aborda series como This Is Us, que aunque trata temas familiares cercanos, es rechazada por los puristas del slice of life debido a su uso constante de flashbacks y su elevada carga de tragedia. En este sentido, se menciona que el género puro exige una linealidad temporal y una sencillez que a menudo chocan con las pretensiones de las grandes producciones de Hollywood. Incluso se menciona la influencia de este estilo en películas como Lost in Translation de Sofia Coppola, donde la atmósfera y los encuentros fortuitos en Tokio priman sobre la acción. Finalmente, el equipo de esRadio bromea sobre la extensión de este fenómeno en Japón, donde los reality shows que muestran a gente cocinando o paseando al perro tienen audiencias masivas. Alma Espinosa concluye su intervención reflexionando sobre cómo la explotación de lo cotidiano se ha convertido en un refugio para una audiencia saturada de estímulos. El bloque termina con una nota distendida sobre una paella cocinada por la propia Espinosa, ejemplificando con humor cómo incluso los actos más sencillos pueden generar interés si se cuentan con la perspectiva adecuada.
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Notas (musicales) a pie de página: Canciones con caja
May 700:30:48Tap to summarizeDe Depeche Mode a Lorde, un recorrido por la reverberación que cambió la producción moderna y sigue viva en las pistas más escuchadas de hoy. En una nueva entrega musical en esRadio, Dani Palacios y su equipo analizan la evolución de uno de los sonidos más icónicos de la historia de la música moderna: la técnica de batería conocida como gated reverb. El recorrido sonoro comienza con una remezcla de Enjoy the Silence, de Depeche Mode, una pieza que sirve como preámbulo para desgranar los elementos técnicos de lo que los expertos denominan una caja húmeda y larga. Este sonido, tan característico de la década de los ochenta, se define por una percusión con mucho cuerpo y una cola de sonido que se corta de forma abrupta, proporcionando una sensación de potencia controlada pero expansiva. El origen de esta técnica, denominada en español reverberación porteada, se remonta a un accidente fortuito ocurrido en el año 1979 en los estudios Townhouse de Londres. Durante las sesiones de grabación del tercer disco de Peter Gabriel, conocido popularmente como Melt, se acopló por error el micrófono de órdenes —el que utiliza el equipo técnico para comunicarse con los músicos— con la batería mientras Phil Collins tocaba. El resultado fue un sonido comprimido y cortado que fascinó a Gabriel. La canción Intruder fue la primera en utilizar este efecto, donde la caja de la batería adquiere una dimensión espacial única que no se había escuchado hasta ese momento en la industria. Sin embargo, fue Phil Collins quien llevó este sonido a su máxima expresión comercial con el tema In the Air Tonight, publicado en 1981. Este sencillo marcó un antes y un después en la producción musical, estableciendo los pilares del sonido ochentero que dominaría las listas de éxitos durante años. En esta composición, el patrón de batería es extremadamente sencillo, lo que permite que la caja sea la protagonista absoluta. La clave técnica reside en la distancia sonora entre el bombo y la caja, permitiendo que esta última despliegue toda su cola antes de ser silenciada por una puerta de ruido, lo que genera esa atmósfera de las canciones tan reconocible del pop de sintetizadores. Otro ejemplo emblemático de la aplicación de esta técnica es Born in the U.S.A., de Bruce Springsteen. En este éxito mundial de 1984, el gated reverb se adapta perfectamente a la estética del rock de estadio, ofreciendo un sonido masivo que contrasta con la letra de protesta de la canción. La batería mantiene un ritmo constante, casi marcial, donde el bombo es apenas un acompañamiento para una caja que suena expansiva pero cortada quirúrgicamente. Este tema es una prueba de cómo la producción musical de la época buscaba la máxima sonoridad y claridad para que las canciones resonaran con fuerza en grandes recintos y estadios. La influencia de este efecto también alcanzó a bandas como Dire Straits, aunque de una manera un tanto más sutil. En Money for Nothing, grabada en 1985, la percusión utiliza el efecto de forma matizada para no restar protagonismo a la icónica guitarra de Mark Knopfler. Es un excelente ejemplo de cómo los productores de la época sabían utilizar los recursos técnicos sin saturar la composición, logrando que el tema sonara moderno pero orgánico a la vez. Esta etapa coincide además con el inicio de la transición hacia el proceso digital completo en las grabaciones de estudio, un cambio de paradigma que afectó a toda la producción artística posterior. Saltando a la actualidad, el programa de esRadio analiza cómo diversos artistas contemporáneos intentan evocar esa magia de finales del siglo XX. Grupos como CHVRCHES, con su tema The Mother We Share, o Lorde, con Team, utilizan producciones que beben directamente de estas fuentes. En el caso de Lorde, su propuesta se basa en una producción minimalista donde la caja vuelve a tener un papel preponderante. Los colaboradores destacan que, aunque las baterías actuales suelen ser más secas y comprimidas, el uso de la percusión en estos temas busca recuperar esa sensación de himno que definió la identidad cultural de los años ochenta. Un caso especial es el de The Weeknd y su éxito mundial Blinding Lights. A pesar de ser un tema que corre a una velocidad inusual para esta técnica —unos 171 ritmos por minuto—, la producción logra integrar un sonido de caja muy cargado que respira con dificultad debido al alto tempo. Es una muestra fehaciente de la ansia ochentera que impregna gran parte de la música comercial de la última década, buscando constantemente ese sonido nostálgico que conecta con diversas generaciones. Junto a él, proyectos como M83 con su canción Midnight City han perfeccionado el arte de la evocación sonora mediante sintetizadores y percusiones procesadas. Finalmente, el resumen concluye con Nightcall, de Kavinsky, el tema que alcanzó la fama mundial tras aparecer en la película Drive. Producida por Guy-Manuel de Homem-Christo, miembro de Daft Punk, la canción es considerada por muchos el epítome del revival ochentero moderno. Con una voz fuertemente procesada y una caja que marca un ritmo implacable, representa la culminación de un estilo que se niega a desaparecer de las ondas. En Libertad Digital y esRadio, valoramos cómo estos análisis técnicos permiten entender que la música es también una evolución tecnológica constante que marca el ritmo de nuestra historia cultural.
Transcribe →Prohibido Contar Ovejas: El estilo intimista
May 701:37:40Tap to summarizeDe la percusión de los ochenta a las narrativas cotidianas, Felipe Couselo coordina un repaso por la trayectoria de grandes compositores de Hollywood. En una nueva entrega del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, Felipe Couselo y su equipo de colaboradores exploraron diversos ángulos de la cultura popular, desde el nacimiento de nuevas estrellas radiofónicas hasta el análisis técnico de sonidos icónicos de los años ochenta. La noche comenzó con la presentación de una peana porta-discos que ambienta el estudio, subrayando la importancia de lo físico en un entorno digital, mientras se introducía al equipo habitual formado por Juanma Rodríguez, Dani Palacios e Isaac Vizcaíno. Uno de los puntos centrales de la charla fue el reciente estreno de AutoReverse, el nuevo espacio nocturno liderado por Isaac Vizcaíno. Sus compañeros destacaron, entre bromas y elogios, el estilo intimista del programa, que ha sido comparado por algunos colaboradores con una voz de 'caramelo derretido'. Vizcaíno explicó que este tono no es premeditado, sino fruto de la soledad en el estudio de esRadio, donde realiza el programa en régimen de autocontrol técnico, manejando personalmente la mesa de mezclas y los ordenadores. La sección musical profundizó en el concepto técnico del gated reverb, un efecto de reverberación que definió el sonido de la batería en la década de los ochenta. Se explicó cómo este fenómeno nació de un accidente fortuito en los estudios de Londres durante la grabación del tema Intruder de Peter Gabriel. El uso de un micrófono de talkback, que habitualmente sólo servía para la comunicación entre la cabina y el músico, reveló un sonido de percusión potente y seco que fascinó a los productores de la época. Este sonido alcanzó su máxima expresión comercial con Phil Collins y su legendario tema In the Air Tonight. El equipo de Prohibido Contar Ovejas analizó cómo Collins estableció los pilares de este efecto, que posteriormente sería adoptado por artistas de la talla de Bruce Springsteen en Born in the U.S.A. o Dire Straits en Money for Nothing. Se destacó que, aunque hoy en día la producción musical tiende a sonidos más minimalistas y procesados digitalmente, la nostalgia ochentera sigue viva en artistas contemporáneos como The Weeknd, quien emula estas técnicas en éxitos como Blinding Lights. Por otro lado, Alma Espinosa introdujo el concepto de slice of life o 'rebanada de vida'. Este género narrativo, que evita los grandes giros dramáticos para centrarse en la cotidianidad, tiene sus raíces en el teatro del siglo XIX y ha encontrado en Japón su máximo exponente cultural. A través de series como Yo siempre a veces, de Movistar, o la aclamada Normal People, se analizó cómo el espectador moderno busca refugio en historias que simplemente retratan el paso del tiempo y las relaciones humanas de forma lineal y sincera. El programa también dedicó un espacio extenso a los músicos de rock que dieron el salto a la composición de bandas sonoras. Se mencionaron casos paradigmáticos como el de Pino Donaggio, que pasó del pop italiano a colaborar con Brian De Palma en Carrie, o Trent Reznor y Atticus Ross, quienes ganaron el Óscar por la música de La red social. El debate puso de manifiesto la capacidad camaleónica de estos artistas para adaptar su talento a las necesidades atmosféricas del cine. Entre los nombres destacados figuraron Danny Elfman, antiguo líder de Oingo Boingo, y Mark Mothersbaugh de Devo, ambos fundamentales en la estética sonora de directores como Tim Burton o Wes Anderson. También se recordó el pasado de Cliff Martinez como batería de Red Hot Chili Peppers antes de crear los paisajes sintéticos de Drive, y la influencia de Nick Cave y Warren Ellis en películas como La carretera. La sesión concluyó subrayando la huella imborrable de Mark Knopfler en el cine con su tema Going Home de la película Un tipo genial, cerrando una madrugada de alta divulgación musical en esRadio.
Transcribe →Prohibido Contar Ovejas: Mis villanos favoritos
May 601:30:19Tap to summarize¿Son realmente malvados? González y Couselo recorren la historia del cine para rescatar la dimensión trágica y existencial de grandes antagonistas. En una nueva entrega del programa Prohibido contar ovejas de esRadio, Felipe Couselo y Juanma González se adentran en un análisis cinematográfico profundo sobre la figura de los villanos de película que, tras una observación detallada, no resultan ser tan malvados como el guion pretende hacernos creer. A través de un recorrido por diversos clásicos del séptimo arte, los tertulianos debaten sobre la ambigüedad moral y las motivaciones legítimas que esconden estos personajes icónicos. El primer ejemplo analizado es el de Roy Batty, el líder de los replicantes en Blade Runner. González subraya que Batty no es un asesino por naturaleza, sino un esclavo moderno con una fecha de caducidad programada que busca desesperadamente a su creador para exigirle más vida. Su lucha es una rebelión existencial contra la obsolescencia impuesta, lo que le otorga una dimensión trágica que culmina en su famoso monólogo final, donde demuestra poseer más humanidad que los propios humanos que lo persiguen. Posteriormente, el programa aborda la figura de Tyler Durden en El club de la lucha. Lejos de ser un simple anarquista, Durden representa una proyección psicológica del protagonista para escapar de la alienación y el consumismo vacío de finales de los noventa. Se le describe como un mal necesario para despertar la conciencia de un hombre atrapado en la rutina de los muebles de diseño y el trabajo corporativo, convirtiéndose en un símbolo de la rebelión individual contra el sistema. En el ámbito del cine histórico y biográfico, la charla se detiene en Salieri, el antagonista de Amadeus. Para los presentadores, Salieri es el santo patrón de los mediocres, un hombre que ha dedicado su vida al Ejército de la música divina solo para ver cómo Dios concede el genio absoluto a un Mozart infantil y grosero. Su enemistad no nace de la maldad pura, sino de un profundo sentimiento de injusticia divina que cualquier espectador puede llegar a compartir. La acción de los noventa tiene su espacio con Vic Deakins, el personaje de John Travolta en Broken Arrow. Bajo la dirección de John Woo, este villano se presenta con una profesionalidad amoral que resulta magnética. Couselo y González destacan cómo el cine de esa época permitía que el antagonista fuera más carismático que el héroe, basando sus acciones en un pragmatismo cínico y una ejecución impecable que lo aleja del estereotipo del villano que desea la destrucción del mundo sin motivo. Uno de los casos más polémicos discutidos es el de Terrence Fletcher en Whiplash. El debate gira en torno a si su sadismo pedagógico es realmente maldad o un método extremo para empujar a sus alumnos hacia la excelencia artística absoluta. Se plantea la pregunta de si el mundo del arte necesita a figuras como Fletcher para descubrir nuevos talentos, sugiriendo que su verdadera motivación es el compromiso con el arte por encima de cualquier convención social de respeto o empatía. El análisis continúa con el general Francis X. Hummel en La Roca. Interpretado por Ed Harris, Hummel es definido como un patriota que se rebela contra el Gobierno tras años de ver cómo el Estado olvida a los soldados caídos en operaciones encubiertas. Su amenaza con armas químicas es, en realidad, un órdago desesperado para conseguir las indemnizaciones que las familias de sus hombres merecen. Es un villano con un código ético inquebrantable que nunca tuvo la intención real de dañar a civiles. La figura de John Milton, el diablo encarnado por Al Pacino en Pactar con el diablo, ofrece una de las reflexiones más interesantes. Milton se presenta como el primer humanista, argumentando que él es el único que acepta al ser humano tal como es, con todos sus pecados y debilidades. Su crítica se dirige a un Dios que impone reglas imposibles, mientras que él se ofrece como un aliado de la naturaleza humana, lo que le permite ganar el debate moral frente al protagonista. En Collateral, el asesino Vincent interpretado por Tom Cruise es analizado desde su frialdad existencial. Su labor es puramente profesional, pero en su interacción con el taxista Max, actúa como un catalizador que le obliga a enfrentarse a sus miedos y a dejar de soñar con una vida que nunca se atreve a vivir. Vincent es un villano que, mediante el caos y la violencia, provoca un crecimiento personal en el héroe. Finalmente, el programa cierra con Darth Vader en La guerra de las galaxias. Se destaca que, a pesar de sus crímenes a escala galáctica, Vader posee el arco de redención más famoso del cine. Su transformación es el resultado de la manipulación de las instituciones políticas y el miedo a la pérdida, lo que lo convierte en un personaje trágico cuya caída al lado oscuro es una respuesta a su incapacidad de gestionar el dolor humano.
Transcribe →Prohibido Contar Ovejas: Young Timers, clásicos electrónicos recientes (Part. II)
May 502:01:46Tap to summarizeVizcaíno y Couselo defienden la esencia del pinchadiscos frente a sesiones grabadas, rescatando piezas de culto que mantienen su vigencia en la pista. En una nueva edición de Prohibido contar ovejas, el programa nocturno de esRadio, Felipe Couselo junto a Isaac Vizcaíno presentan la segunda parte de su especial dedicado a los Youngtimers. Este espacio se centra en rescatar y analizar clásicos electrónicos recientes, temas que, aunque cuentan con un par de décadas, mantienen una vigencia absoluta en las pistas de baile y en la cultura popular contemporánea. Durante el audio, se enfatiza la importancia de los sellos discográficos y las escenas locales, especialmente la alemana y la francesa, como motores de innovación en la música de vanguardia. El recorrido musical arranca con la sofisticación de Brian Eno y su remezcla para el tema Protection de Massive Attack. Los colaboradores de esRadio reflexionan sobre el impacto del trip-hop en los años noventa y cómo este género sirvió de puente para ramificaciones electrónicas posteriores. Destacan que ciertas piezas musicales no envejecen, sino que se vuelven más sabias y transversales con el paso del tiempo, logrando emocionar tanto en una escucha íntima como en un entorno de club. Uno de los puntos más interesantes del programa es el análisis del grupo alemán Turrokocorrrot y su tema Cars. Vizcaíno explica el concepto de humanizar la electrónica, una técnica de producción que busca eliminar la perfección matemática de los secuenciadores para dotar a las máquinas de un ritmo más orgánico y vivo. Esta búsqueda de la imperfección es lo que, según los expertos, permite que la música electrónica conecte de forma más profunda con el oyente, alejándola de la frialdad industrial. La conexión entre la música y el resto de la programación de la casa también tiene su lugar. Se menciona el tema Schwindelig de Kollektiv Turmstrasse, una pieza de 2010 que fue utilizada durante mucho tiempo como cierre en La Tarde de Dieter Brandau. Este vínculo sirve para ilustrar cómo la electrónica de calidad permea diferentes espacios radiofónicos, convirtiéndose en parte de la identidad sonora de los programas de esRadio. El dúo francés Air y su icónico tema Sexy Boy, perteneciente al álbum Moon Safari, protagonizan otro de los bloques destacados. Se comenta su participación en bandas sonoras, como la de la película Las vírgenes suicidas de Sofía Coppola, y su capacidad para crear una electrónica sofisticada y pop. El uso de instrumentos clásicos, como el bajo Höfner que popularizó Paul McCartney, demuestra que la vanguardia francesa siempre ha sabido integrar la tradición melódica con las texturas más modernas. La escena de Berlín vuelve a cobrar protagonismo con Moderat, la unión de los proyectos Modeselektor y Apparat. El tema A New Error es analizado como un ejemplo de confluencia artística perfecta: mientras que una parte aporta la crudeza y el bombo del techno, la otra añade paisajes sonoros y melodías etéreas. Los locutores recalcan que esta colaboración ha definido el sonido de la electrónica alemana del siglo XXI, bajo el paraguas de sellos influyentes como BPitch Control. Hacia el final del programa, se aborda la figura de Moby y su evolución desde los ritmos de rave hasta composiciones de corte orquestal. El tema God Moving Over the Face of the Waters, asociado a la película Heat de Michael Mann, sirve para cerrar el especial. Se destaca la formación clásica de Moby, capaz de tocar casi todos los instrumentos en sus grabaciones, lo que le permite crear piezas de una épica sobrecogedora que trascienden las etiquetas habituales del género electrónico. Finalmente, el programa dedica un espacio a la filosofía del pinchadiscos, criticando las sesiones pregrabadas que carecen de alma. Para Vizcaíno y Couselo, la verdadera esencia de un deejay reside en la lectura de la pista y la capacidad de sorprender a la audiencia en tiempo real, adaptando el repertorio a la energía del momento, algo que solo se consigue con años de experiencia y una maleta llena de buena música.
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Vomitorio de fetiches: Diego Casado Rubio desgrana los detalles de "La mujer que le hablaba al techo"
May 100:49:34Tap to summarizeCon la actriz argentina como eje, el libro de Planeta invita a salvar vidas mediante un registro mundial de donantes en plena pandemia. En una nueva entrega de los contenidos culturales de esRadio, se presenta la obra de Diego Casado Rubio, quien acude para desgranar los detalles de su reciente publicación titulada La Mujer que le Hablaba al Techo. Esta obra, editada por Planeta, se sumerge en la cruda pero esperanzadora realidad de la lucha contra la enfermedad, tomando como base la experiencia vital de la actriz y modelo argentina Celina Rucci. El autor explica que la génesis de la novela surgió de una imagen poderosa —inspirada por la estética de una película de Pedro Almodóvar— durante un viaje a Nueva York. Casado Rubio decidió contactar con Rucci para dar forma a una historia que explora los límites de la resistencia humana. La protagonista se enfrentó a una leucemia mieloide aguda a los 42 años, recibiendo un diagnóstico inicial que apenas le otorgaba un 7% de probabilidades de supervivencia. Este proceso coincidió además con el aislamiento extremo provocado por la pandemia de la COVID-19, lo que intensificó la sensación de soledad y la dureza del tratamiento. Uno de los aspectos más originales de la novela es la elección del narrador: un ángel de la guarda. Esta figura permite al autor mantener una distancia espiritual adecuada, evitando que el texto se convierta en una biografía convencional o en un manual de autoayuda. El uso del humor es fundamental en la narrativa, aportando una visión ácida y punzante que es muy característica de la idiosincrasia argentina. Diego Casado Rubio destaca cómo en Argentina existe una tendencia a no dramatizar en exceso las tragedias, contrastándolo con el carácter español, al que percibe como más propenso al agravio o al enfado cotidiano. Durante la charla en esRadio, se hace especial hincapié en la labor de concienciación social que persigue el libro. El autor subraya que la donación de médula es un tema central y necesario. Aclara que, en contra de la creencia popular, no se trata de una intervención quirúrgica invasiva ni dolorosa, sino de un proceso similar a una extracción de sangre o una muestra de saliva. La novela incluye un código QR en forma de corazón que redirige al lector al banco mundial de donantes, fomentando que las personas de entre 18 y 40 años se inscriban en este registro vital. El proceso creativo de Diego Casado Rubio incluyó una estancia en Nueva York, conviviendo con la propia Celina Rucci para captar sus matices, sus silencios y su fortaleza. El autor relata con emoción cómo escribió el primer capítulo de la novela frente al edificio Chrysler, bajo una nevada que interpretó como una señal de éxito para el proyecto. Además, se mencionan anécdotas curiosas sobre el choque cultural y la hospitalidad argentina, ejemplificadas en un encuentro fortuito con la madre de un periodista español, donde la extroversión del autor rompió las barreras habituales de la privacidad en Madrid. Finalmente, se informa de que La Mujer que le Hablaba al Techo ya se puede adquirir en España en formato digital a través de plataformas como el Corte Inglés, Fnac, Casa del Libro o Amazon. La sección cierra con los acordes de Like a Prayer de Madonna, una canción que aparece en el libro y que simboliza esa mezcla de fe, lucha y redención que atraviesa toda la historia de Rucci. El autor se despide recordando que la donación de médula es, en esencia, un superpoder que permite salvar vidas de manera altruista en cualquier rincón del mundo.
Transcribe →Prohibido Contar Ovejas: Le damos la vuelta y punto
May 101:57:07Tap to summarizeFelipe Couselo y sus colaboradores repasan el retorno del rock con Bulo y el emotivo tributo a Shane MacGowan de Imelda May junto a Johnny Depp. En la última edición de Prohibido Contar Ovejas, el equipo liderado por Felipe Couselo se despide del mes de abril para dar la bienvenida a mayo, analizando la actualidad cultural y musical con su habitual tono desenfadado. Durante el programa, se ha dado especial protagonismo al estreno de un nuevo espacio en la sintonía de esRadio: Autorreverso, el primer spin-off radiofónico nacido de la colaboración de los integrantes de la mesa. Isaac Vizcaíno ha presentado los detalles de su nuevo proyecto, Autorreverso, que se emite en las madrugadas del viernes al sábado a las 03:00. El programa se concibe como una cinta de música de 60 minutos con estilos variados e historias que contar, recuperando la nostalgia del formato físico y el concepto de las cintas grabadas y los antiguos Walkman. Vizcaíno ha explicado que la intención es ofrecer una selección musical ecléctica que huya de las etiquetas rígidas, permitiendo saltos entre géneros bajo un criterio puramente personal. En el bloque musical, se ha destacado el regreso al sonido rock con la banda Bulo y su tema La piel del aire. Integrado por músicos procedentes de Robinness, el grupo actuará próximamente en la madrileña Sala Villanos. Además, el equipo ha comentado la actualidad de otras bandas como La Trinidad, con su tema La Trinidad no paga traidores, y el nuevo trabajo de Carlangas, Familia SL, que marca una evolución tras su etapa en Novedades Carminha. También ha habido espacio para los grandes clásicos, analizando el contenido de la reedición de lujo de Reload de Metallica y la importancia de la banda sonora de Diablo IV, que cuenta con la participación de Korn. Uno de los momentos más emotivos ha sido la mención al tributo a Shane MacGowan, líder de The Pogues. Se ha escuchado la versión de Haunted realizada por Imelda May y Johnny Depp, una colaboración que busca rendir homenaje a la figura del músico irlandés y a Sinead O'Connor. Felipe Couselo ha recomendado encarecidamente el documental sobre la vida de MacGowan, disponible en plataformas de streaming, para entender la complejidad y el genio del artista. La cultura pop española ha estado representada por el nuevo lanzamiento de Fangoria. Alaska y Nacho Canut han publicado La verdad o la imaginación, un LP con canciones nuevas tras un largo periodo centrados en versiones y revisiones. El equipo ha alabado la apuesta por el formato físico, destacando una edición especial en vinilo que incluye un libreto con fotografías en 3D y gafas especiales, reafirmando el compromiso del grupo con el coleccionismo y el diseño artístico. En la sección de artes escénicas, Alma Espinosa ha recomendado Zarzuela con Vermú, un montaje que se estrena en el Teatro Infanta Isabel de Madrid. Bajo la dirección de Susana Gómez y Miguel Huertas, la obra pretende acercar el género chico a las nuevas generaciones mediante un formato fresco y dinámico de 75 minutos, ideal para disfrutar en horario matinal antes de la comida tradicional del domingo. El cine ha ocupado un lugar destacado con el análisis de los próximos estrenos y tendencias en plataformas. Juanma González ha comentado la llegada de El diablo viste de Prada 2, una secuela que llega casi dos décadas después de la original y que explora la transformación de los medios de comunicación tradicionales en el entorno digital. También se ha analizado Mi querida señorita, la apuesta de Netflix producida por los Javis que actualiza el clásico de Jaime de Armiñán, tratando temas de intersexualidad con una sensibilidad contemporánea. El programa ha cerrado con una entrevista profunda a Diego Casado Rubio, autor de la novela La mujer que le hablaba al techo. La obra narra la historia real de la actriz y bailarina argentina Celina Rucci, quien se enfrentó a una leucemia con un pronóstico de supervivencia de apenas el 7%. Casado Rubio ha detallado cómo el proceso de escritura fue una colaboración íntima en la que se ficcionaron las vivencias de Rucci durante su aislamiento en Nueva York en plena pandemia. La entrevista ha servido para lanzar un mensaje de concienciación sobre la importancia de la donación de médula ósea. El autor ha explicado que, a menudo, la desinformación gubernamental impide que la gente sepa lo sencillo que es el proceso de registro para salvar vidas. La novela incluye un código QR que redirige directamente a la inscripción en el registro de donantes, uniendo la literatura con un compromiso social que trasciende las páginas del libro.
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